Han tenido que pasar doce años para que el autoproclamado rey del mundo (la verdad es que se lució en la gala de los Oscar) James Cameron se atreviera a dirigir otro largometraje. Y no me extraña ya que ¿cómo superar las mareantes cifras de Titanic? Cuando alguien deja el listón tan alto, lo mejor es retirarse y acabar la carrera en el momento álgido.

Pero claro, el dinero es el dinero y los estudios de Hollywood tienen un olfato infalible a la hora de buscarlo. Justo cuando todo el mundo se había resignado a ver las salas de cine cada vez más vacías, llega Mr. Cameron y las vuelve a llenar con el tan manido argumento de “una nueva forma de ver y hacer cine”.

Lo hemos escuchado de muchas películas pero creedme, esta vez va en serio. Ver Avatar en 3D en una sala de cine es una experiencia que bien vale los 12€ que pagué por ella. Y no sólo porque la tecnología funciona bastante bien a pesar de ser relativamente nueva, sino porque Avatar es una de las películas más bellas y espectaculares que he visto en mi vida.

Acompañadme en este fascinante viaje a Pandora, no os arrepentiréis.

Una historia terriblemente familiar

Dentro de doscientos años, la Tierra no será más que un planeta desértico tremendamente superpoblado cuyos recursos están prácticamente agotados. Esta escasez de materia prima obliga a la humanidad a explorar el universo en busca de planetas de los que extraer todo lo necesario para subsistir.

Con esta idea los humanos llegan a Pandora, una pequeña luna con unas condiciones climáticas muy similares a las de la agotada Tierra cuyo subsuelo está repleto de un extraño y carísimo material: el inobtanio.

Lamentablemente (para los terrícolas claro) en Pandora, aparte de una exuberante y variadísima flora y fauna, viven unos seres humanoides con un nivel evolutivo muy similar al de los indios de la época de la conquista del oeste, los Na’vi.

Son un pueblo muy naturalista que guarda una estrechísima relación con todas las formas de vida que los rodean, por lo que no ven con muy buenos ojos que unos alienígenas salvajes se dediquen a colonizar y destruir sus lugares sagrados. Con la idea de aprender de ellos para buscar una solución diplomática, se crea el programa Avatar.

Un Avatar es un cuerpo Na’vi artificial sin alma que se construye a partir del ADN de ambas especies. Se maneja mentalmente por lo que cuando el humano para el que se creó se “conecta”, realmente se convierte en un Na’vi. A pesar de que los habitantes de Pandora saben que no son realmente Na’vi, les toleran más que a los humanos por lo que todavía hay esperanzas de negociar con ellos.

El protagonista de esta historia, Jake Sully (Sam Worthington) llega a Pandora de forma accidental. Su hermano gemelo era un eminente científico que participaba en el programa Avatar y que fue asesinado antes de viajar a la luna. Gracias a las similitudes del ADN de ambos, Jake es propuesto para sustituirle cosa que acepta sin dudarlo ya que hoy por hoy no es más que un exmarine lisiado (está en silla de ruedas)

Allí se encontrará entre dos facciones. Por un lado la de la doctora Grace Augustine (Sigourney Weaver) una científica que adora Pandora y que confía en encontrar una solución diplomática al problema. Y por otro lado la del coronel Miles (Stephen Lang) que en línea con el representante de la empresa, Parker (Giovanni Ribisi) quiere acabar el trabajo cuanto antes aunque sea exterminando a los dichosos Na’vi.

En un principio se alía con Miles pero, conforme va aprendiendo más acerca de esta extraña tribu, se da cuenta de que los que realmente sobran en Pandora no son los Na’vi…

Viaje al nuevo mundo

Desde la producción de El Señor de los Anillos nadie había trabajado tanto en dar vida y coherencia a un mundo fantástico. Y se nota ya que, aunque es cierto que los personajes están muy bien, las escenas de acción son trepidantes y la historia, a pesar de su simpleza, engancha, Avatar sin Pandora, sin sus extrañas plantas y exóticos animales, no es nada.

Y ahí está el motivo de que a mucha gente (como a mí) le decepcione la primera vez que la ve. Si vais al cine, engañados quizás por una campaña de marketing un tanto desafortunada, esperando asistir a un espectáculo heredero de Terminator o Aliens (acción y espectáculo en estado puro) Avatar os decepcionará ya que lo que cuenta y cómo lo cuenta no tiene nada que ver con estas dos obras.

La película está pensada para que nos sintamos como un colonizador cualquiera. Nuestro guía será el soldado Jake Sully que, ayudado por la doctora Grace y por los propios Na’vi, irá descubriendo la tremenda riqueza que esconde esta pequeña luna.

Gran parte del metraje consiste en este aprendizaje, en esta exploración de Pandora. Iremos descubriendo su original fauna, sus peligrosos y coloridos animales e iremos aprendiendo poco a poco las costumbres de los extraños Na’vi. Es en este aprendizaje donde recae la fuerza del film. Gracias a él cada vez sentiremos Pandora más como algo nuestro, de manera que cada vez nos dolerá más la idea de colonizarlo y explotarlo para extraer el inobtanio.

Y esta es la gran baza de Avatar. Gracias al grado de implicación que consigue de nosotros, lo que a priori parece un aburrido documental, se convierte en un fascinante viaje iniciático que nos hará plantearnos si nuestro modelo actual de desarrollo a base de destruir nuestro propio hogar es correcto.

Tecnología al servicio del cine

Los Na’vi son los personajes hechos por ordenador más creíbles que jamás hemos visto en nuestras pantallas. Es cierto que la técnica para crearlos es muy similar a la del Gollum de El Señor de los Anillos, pero esta vez se ha ido un poco más lejos superando ampliamente al trabajo de Peter Jackson.

Sus gestos, sus ropajes, sus movimientos, todo es perfecto. Llegará un momento en que su presencia nos parecerá de lo más natural ya que en ningún momento tendremos la sensación de que son personajes “de plástico” (como sucede a veces con Spiderman) o de que no se integran bien con su entorno. Son seres gigantes, azules y con rabo sí, pero gracias al trabajo de Weta parecen auténticos.

A esta impresión contribuye el trabajo que se ha invertido en darles entidad como pueblo. Los guionistas han trabajado duro para que sus costumbres y modo de vida sean del todo coherentes con su planeta de manera que no nos imaginaremos otra forma de vivir en la exótica luna.

Afortunadamente, el resto de los seres que habitan Pandora no se quedan atrás. Todos tienen una estética muy colorista y un tanto extravagante, pero desde el primer momento parecen del todo reales. Gracias a estos efectos visuales Avatar se convierte en la heredera espiritual de El Señor de los Anillos ya que al igual que en la trilogía de Peter Jackson, lo que sucede es tan importante que dónde sucede.

Mención aparte merecen las escenas nocturnas. En ellas Pandora parece más que nunca un mundo sacado de un cuento fantástico. Impresionante.

Tecnología 3D

Mucho se ha hablado acerca de las nuevas cámaras que ha utilizado Cameron en su último trabajo. Aparte de ir de pequeño al IMAX nunca había visto una película en 3D así que no puedo comparar, pero sí puedo decir que todos deberíais verla en este formato.

No todas las imágenes tienen la misma profundidad, pero ciertas escenas ganan muchísimo al verse en tres dimensiones ya que están pensadas expresamente para hacerlo así. Es en estos momentos donde nos damos cuenta del avance que supone esta tecnología ya que realmente nos sentiremos como parte de la acción (como cuando entramos por primera vez en Árbol Madre).

Aún hay mucho por mejorar, pero hoy por hoy el uso de esta técnica supone la nueva frontera a conquistar para los estudios de efectos especiales. No creo que haya mucha diferencia a la hora de ver, por ejemplo, Lost in Translation en 3D, pero sin duda una película que basa gran parte de su atractivo en el entorno que se desarrolla gana mucho con el uso de la tercera dimensión.

Una historia demasiado predecible

James Cameron nunca se ha caracterizado por unos guiones complejos y llenos de giros argumentales, pero en Avatar hecho de menos más sorpresas. Es cierto que el universo en el que se desarrolla propicia suficientes situaciones como para que el ritmo no decaiga (de pronto estamos huyendo de una bestia gigante como pasamos a darnos un paseo nocturno por un bosque que parece mágico), pero también es cierto que casi todas las situaciones que no implican directamente a los Na’vi son de manual.

Casi desde el primer momento ya sabemos cómo se va a desarrollar la historia, cómo se comportarán los personajes (bien construidos pero bastante estereotipados) y cómo acabará todo. Insisto en que en ningún momento nos aburriremos, pero sí que tendremos la sensación de que se podría haber puesto más carne en el asador construyendo un guión infinitamente más complejo y unos personajes con más matices.

Quizás no tenía sentido hacerlo porque la idea de Cameron eran que nos sintiéramos parte de Pandora, pero un poco más de originalidad en algunos puntos hubieran terminado por redondear la película.

Personajes tópicos pero muy trabajados

Es cierto que todos parecen sacados de un manual para guionistas, pero gracias a unos actores muy implicados consiguen destacar entre tantos efectos visuales.

Sam Worthington hace un estupendo trabajo con un personaje que da mucho más de sí que el que consiguió en Terminator Salvation. Es el chico del momento y parece que quiere aprovechar todas sus oportunidades para entrar en el selecto club de actores jóvenes reconocidos como Christian Bale o Ewan McGregor.

Sigourney Weaver vuelve a la gran pantalla de mano de su director favorito. Esta vez tiene un papel más secundario pero sigue siendo un valor seguro aportando mucha personalidad a su personaje.

Del resto de secundarios destacaría a Stephen Lang que interpreta al personaje más típico de todos (el coronel sin escrúpulos) y el malvado por excelencia de la película. Nunca cae en el ridículo a pesar de lo esperpéntico de algunas situaciones y gracias a su esfuerzo un personaje tan manido vuelve a resultar interesante.

Mención aparte para el trabajo de Zoe Saldana que, a pesar de estar siempre tras una máscara de efectos especiales, dota de gran personalidad y realismo a la gran Neytiri. Estos trabajos suelen ser poco reconocidos pero quizás la academia nos sorprenda con una merecida nominación.

Veredicto

El texto es más largo que de costumbre pero es que este trabajo se lo merece. Hacía mucho que una película no levantaba tanta expectación llenando casi a diario todas las salas. Se ha invertido mucho tiempo y dinero en crear una nueva experiencia cinematográfica y creo que ha merecido la pena.

Es cierto que no todo es tan sorprendente como nos vendían (ni el 3D es tan espectacular ni la historia es tan impactante) pero a grandes rasgos Avatar cumple las expectativas. No sé si superará en taquilla a Titanic pero sin duda andará cerca.

Lo mejor

• Pandora. Desde la trilogía de Peter Jackson nadie había creado un universo tan consistente.
• Los Na’vi que son los seres más creíbles que han pasado por las pantallas de cine.
• El regreso de James Cameron por la puerta grande.
• Su mensaje.

Lo peor

• Se echa en falta un poco más de originalidad en el guión y los personajes.

1. Lost in translation
2. Slumdog Millionaire
3. Up, Una Aventura de Altura

Independientemente del éxito de crítica y público que coseche esta película, no hay duda de que nos encontramos ante uno de los hitos más importantes del cine español ya que comparte con Ágora el honor de ser la película más cara de la historia de nuestro cine: sus 40 millones de €  de presupuesto dejan en ridículo a los cerca de 20 que costó la anterior superproducción patria: Alatriste.

Aunque no está siendo el taquillazo que todos deseábamos que fuera, de momento ha recuperado casi toda su inversión inicial gracias a una más que respetable taquilla mundial. Si a esto le sumamos lo que gane de aquí al final de Navidades más los beneficios de la venta de merchandising, podemos decir que ha sido una buena inversión.

Los críticos están siendo bastante duros, en especial (cómo no) los españoles. La han tildado de simple, irrelevante, simplona y aburrida. Vale, no es la octava maravilla y está muy lejos del nivel de Pixar pero, para ser la primera película del estudio, está más que bien…

Una premisa tan sencilla como original

Lem es un chico bastante normal y tímido que acaba de conseguir el trabajo de su vida: un puesto en el observatorio. Gracias a esta gran noticia se siente por fin con fuerzas para confesarle sus sentimientos a la guapa Neera. Todo parece ir a la perfección hasta que un extraño artefacto aterriza en el jardín..

El objeto no es ni más que menos que el módulo orbital del astronauta terrícola Chuck. Con más ego que un rockero, ha llegado a Planet 51 con la idea de explorar un planeta en teoría inhóspito. Al igual que los de Lem, sus planes se tuercen al descubrir que el pequeño mundo, lejos de estar deshabitado, se parece demasiado a la norteamérica de los años 50.

Un guión que se desinfla por momentos.

Con lo que habéis leído os podéis hacer una idea de hacia donde gira el resto de la historia. Chuck será considerado como la vanguardia de un ataque alienígena a escala global por lo que el ejército se hará con el control de la nave. Por su lado el buen corazón de Lem hará que se meta, junto a sus esperpénticos amigos, en mil y un problemas para ayudar a Chuck a regresar a la Tierra…

En este sentido la historia, a pesar de su genial premisa, se desarrolla de forma muy poco original. No hay muchos momentos realmente sorprendentes ni nada inesperado. Todo sucede tal y como te imaginas que va a suceder por lo que, lo que al principio es una película original, al poco se convierte en la típica sucesión de carreras y golpes tan común del cine “para toda la familia”.

Y ese es el mayor problema de Planet 51: la “chispa” de los primeros compases se pierde muy pronto. A pesar de algunos chistes realmente buenos, son muy pocos los momentos que se quedarán grabados en vuestra mente. Hace mucho que no la veo pero aún recuerdo perfectamente los primeros cuarenta minutos de WALL*E. Sin embargo, apenas si recuerdo escenas sueltas de Planet 51.

Y es una pena ya que, aunque en ningún momento se hace aburrida, muchas veces tendréis la sensación de que la idea y el fantástico universo en el que se ambienta está desaprovechada.

Quizás el problema esté en que muchos de los personajes no “funcionen” del todo bien. Se ha intentado dotar de personalidad y carisma a todos pero, salvo el genial Rover (el mejor con diferencia), la mayoría no tienen la gracia que se les presupone. Ni el intrépido y chulo Chuck es tan intrépido y chulo como se le pinta, ni los amigos de Lem son tan graciosos como deberían.

Planet 51. Un mundo muy vivo

Si bien la historia no es tan original como nos gustaría ni muchos de los personajes acaban de funcionar, el contexto en el que se desarrolla, el llamado Planet 51, es sencillamente genial. Y no hablo del apartado técnico que dejaré para el final, sino a lo tremendamente cuidado que está este mundo que parodia y homenajea a la norteamérica de los años 50.

No faltará ninguno de los elementos de la cultura y costumbres de esa etapa histórica: las barbacoas en el jardín, el boom de los cómics, la televisión en blanco y negro, el miedo a los extraterrestres, la música, los hippies… todos ellos deformados gracias a la genial visión de su creador, Joe Stillman (guionista de Shrek).

Lo original de la idea radica en trasladar todos estos elementos a un mundo alienígena totalmente diferente a la Tierra. No os quiero desvelar mucho pero para poner un par de ejemplos basta decir que en vez de llover “a cántaros” llueven cántaros o que los perros de raza son muy alienígenas. Son precisamente estos momentos donde la película brilla con luz propia.

Pero a pesar de lo cuidado del universo de Planet 51, lo flojo del guión consigue que volvamos a tener esa sensación de que, con un poco más de esfuerzo, podría haberse hecho mucho mejor.  Nos queda el consuelo de que el mundo ha calado en el público ya que la cantidad de productos ambientados en él sobrepasa todo lo visto en España.

Técnicamente impecable

Al igual que pasa con muchos videojuegos de alto presupuesto, lo mejor del producto es su aspecto técnico. Vale que no soy ningún experto en la materia pero, salvando la famosa escena de los globos, no veo nada en Up que no puedan hacer los chicos de Ilion.

Los diseños, la animación, los efectos especiales, todo está a la altura de los más grandes. Y cuando digo más grandes no me refiero a Dreamworks no, me refiero a los, hasta ahora, intocables chicos de Pixar. Quizás estos sean más listos ya que en cada película incluyen una escena hecha para el recuerdo, pero el estudio español se ha quedado muy cerca del nivel de estos genios. Y esto, teniendo en cuenta que es su primera película, es una gran logro.

Un futuro esperanzador

Pero quizás lo mejor de la película es que abre una nueva etapa. España ha demostrado que técnicamente puede situarse en el grupo de cabeza. Sólo hace falta que nuestros directores y guionistas se “rueden” un poco más (bueno, quizás bastante más) para que empiecen a crear obras que deslumbren al mundo.

No se cuánto tiempo pasará pero estoy seguro de que antes de lo que creemos las producciones de animación españolas darán mucho que hablar.

Lo mejor

• Técnicamente está entre las mejores.
• Que se haya hecho en España. Todo un logro para nuestra industria.

Lo peor

• El guión no está a la altura ni del despliegue técnico ni de su autor.
• Algunos personajes no acaban de funcionar como debieran.

1. Lost in translation
2. Memento
3. Slumdog Millionaire

La foto que encabeza el artículo debería ayudaros a haceros una idea de lo que encontraréis en Borat: El Aprendizaje Cultural de América Según Borat Para la Gloriosa Nación de Kazajistan, humor absurdo y más basto que un bocadillo de chapas. Esta película no está hecha para todo el mundo. Si no te importa asistir a una retahíla de bromas tan divertidas como de mal gusto acomódate en tu sillón porque vas a disfrutar. Si por el contrario, eres de los que prefiere un tipo de humor más fino e inofensivo, más te vale huir del personaje creado por Sacha Baron Cohen.

Una historia peculiar

Borat es un famoso presentador kazajo que viaja a América acompañado de su inseparable productor para empaparse de la cultura del país más poderoso del mundo. Al poco de llegar descubre en la televisión al amor de su vida: Pamela Anderson. Ni corto ni perezoso inicia un viaje que le llevará a visitar varios estados mientras sigue la pista de su ansiada presa.

En este periplo conocerá a varias personas que le ayudarán a descubrir aspectos tan fascinantes de la cultura americana para un kazajo  como el voto femenino, la igualdad de sexos, la buena educación, los rodeos, etc. Lamentablemente su cultura es tan diferente que muchas veces se verá envuelto en situaciones más que comprometidas.

Contada de una forma muy original

Ésta no es una película al uso ya que a las escenas “normales” se unen al verdadero alma del film: las entrevistas con cámara oculta en las que Cohen, encarnando magistralmente a Borat, llegará a forzar situaciones realmente surrealistas. La idea es poner de manifiesto varias de las contradicciones que caracterizan a los americanos, pero muchas veces da la sensación de que Cohen hace lo que hace con la única idea de crear el gag más absurdo y desagradable posible.

Estas escenas se mezclan con otras rodadas para dar coherencia al producto. Lejos de quedar como un mero collage de sketches y escenas grabadas, la película tiene un desarrollo bastante lógico dentro, claro está, del surrealista mundo creado por Cohen. Y este mundo es uno de los grandes valores del film. Conoceremos el país, la familia, las creencias y los hobbies de Borat. El personaje está tan trabajado que a veces da la sensación de que podría llegar a ser real.

Todo lo que le rodea se ha creado pensando en el tópico establecido de los países islamizados que formaron parte de la URSS. Su aspecto (bigote y pelo rizado), su indumentaria (con traje, como le corresponde a un embajador del país) y aspectos de su personalidad como su antisemitismo y su machismo, son tan extremos que sorprende que la gente llegase a creerlos. Y ahí está el punto clave de la película, las bromas son tan sorprendentes porque la gente, de verdad, creía que estaba hablando con una persona real.

Una colección antológica de cámaras ocultas

El verdadero punto fuerte de la película y por el que obtuvo tantos premios (Globo de Oro incluido) está en estas cámaras ocultas. Las hay de todos los tipos y colores: desde inofensivas que sólo buscan arrancar una carcajada, hasta otras que ponen de manifiesto los males endémicos de EEUU.

Hay dos que me gustaron especialmente. En una Borat llega a Nueva York e intenta abrazar y besar a la gente para presentarse. Obviamente habrán seleccionado los casos más extremos pero me sorprende la reacción de algunos. Lejos de limitarse a apartarse como supongo haríamos en España, muchos pasan al contraataque amenazando al bueno de Borat. ¿Tanto miedo al contacto tienen?

La segunda, que es sin duda la mejor de la película, sucede en un rodeo en la llamada América profunda. En una conversación con uno de los participantes sale a relucir su aspecto islámico. Esto es bastante incómodo para su interlocutor, tanto que le sugiere que cambie un poco su estilo para no parecer “tan árabe”.

Tras esto Borat sale a la pista para homenajear a los asistentes mediante una fusión entre la música del himno americano y la imaginaria letra del kazajo. Antes de esto hace un discurso apoyando la guerra de Irak y “el exterminio de todo hombre, mujer y niño”. La gente se rompe las manos a aplaudir y se desgañita alentando al simpático personaje. Esta actitud no da una idea del nivel de racismo que existe en ciertas partes del país que en teoría está llamado a ser el adalid de la libertad y paz mundial (con presidente galardonado con Premio Nobel incluido).

Lamentablemente otras bromas están demasiado pasadas de tuerca. A mí me hicieron gracia pero en otros casos acabaran con la paciencia del espectador. Una pena ya que si todas se hubieran trabajado tanto como las que acabo de enumerar, la película sería un auténtico imprescindible.

Veredicto

He de reconocer que me ha gustado bastante. No es la primera persona que se dedica a hacer bromas tan bestias (la antológica entrevista de Martes y 13 a Madonna supera a bastantes sketches de Borat) pero la idea de construir una película, más o menos coherente, a base de cámaras ocultas es simplemente genial. El resultado es más que satisfactorio ya que, aparte de mantener el hilo narrativo, las bromas están bastante bien encajadas en el guión.

Ni todas son igual de buenas ni todas tienen el mismo nivel de originalidad, pero algunas han entrado directamente al Top 10 de gamberradas televisivas. Si unimos esto a la durísima crítica que se hace a algunos aspectos del modo de vida americano obtenemos un producto realmente interesante.

Lo mejor

• Lo mucho que se ha cuidado el personaje.
• Algunas bromas, como la del rodeo, son realmente antológicas.

Lo peor

• A veces Cohen pasa de ser un cómico a ser un animal sin escrúpulos que únicamente busca el morbo.

1. Lost in translation
2. Memento
3. Slumdog Millionaire

Admitámoslo, la informática es una profesión muy poco glamurosa. Cuando le dices a alguien que has estudiado informática normalmente te mira raro con una expresión en plan “O sea, que eres un friki…”. Jamás se te ocurriría intentar ligar diciendo que lo eres, de ahí la cantidad de “pilotos” y “médicos” que pululan por la noche española.

Además, nuestro trabajo es tan abstracto que es muy complicado de explicar a un lego en la materia. Por ejemplo, mi madre aún no sabe qué leches hago todos los días en la oficina (aparte de tomar cafés claro).

Sin embargo no todo son malas noticias. En la realidad sale muy mal parada pero en la ficción la cosa mejora bastante. Cuando en una película hollywoodiense sale una escena que implica ordenadores, todo se llena de imágenes 3D, bases de datos mágicas, personas tecleando como si fueran Nacho Cano en plena catarsis y decenas de barras de progreso que se atascan en el 99%.

Yo suelo indignarme por este tipo de escenas, pero por el bien de mi reputación voy a empezar a decir que realmente es así como trabajo, que estoy cansado de escribir a toda velocidad mientras miro una pantalla donde aparecen los retratos y huellas de asesinos en serie.

El caso es que Hollywood a lo largo de su historia nos ha regalado escenas de informáticos realmente grandiosas, épicas, a las que rindo un sincero homenaje en esta entrada. Empecemos.

CSI

Serie de investigación criminalística que se caracteriza por las infinitas habilidades y conocimientos de sus protagonistas, en especial de Grissom, una especie de Dios en la Tierra, capaz de encontrar huellas en la superficie de un charco.

En sus investigaciones suele utilizar la tecnología más puntera que incluye algunos de los sistemas informáticos más potentes del mundo, ¡qué digo!, universo. Especialmente legendarias son las bases de datos que contienen todo tipo de información: desde el registro de compradores de persianas térmicas, hasta el de personas que toman el té a las 5. Lo mejor es que son completísimas: nombre, dirección, teléfono, fotografía, estudio de ADN, huella digital, etc.

Además, para “facilitar” el trabajo de los técnicos, en las búsquedas suelen mostrar los datos más importantes y espectaculares como las huellas y las fotos de manera que, si la base de datos se equivoca, el técnico pueda pararla y decir “¡Para! Es ése”.

Jurassic Park

Hoy por hoy es normal que una película contenga decenas de minutos generados, si no total, sí parcialmente por ordenador. Es lo que tiene el progreso. Sin embargo, en el año 1993 los FX estaban en pañales por lo que el mérito de esta obra es enorme ya que, con apenas unos minutos de dinosaurios (aunque no lo parezca), consiguió dejarnos a todos con la boca abierta. Yo era un crío así que jamás olvidaré el impacto que me produjo verlos. Pura magia.

Michael Crichton era famoso porque, a pesar de escribir libros de ficción, solía documentarse al máximo. Gracias a esto los errores científicos y técnicos de la obra no son demasiados. Aún así los hay, en especial esas conversaciones que giraban alrededor de “depurar los millones de líneas de código” del programa que gestionaba el parque. “Depurar” un programa consiste en recorrer sus instrucciones una a una conforme se van a ejecutando. Es como ir “leyendo” las instrucciones mientras el programa va haciendo cosas.

Obviamente, en un programa muy complejo (imaginaos el Word) esto es una tarea muy complicada. Antiguamente las herramientas de trabajo eran relativamente rudimentarias pero, aún así, es incomprensible que unos genios como los que trabajaban en el parque fuesen incapaces de analizar el código de Nedry.

Sin embargo, la escena que más chirría es una de las finales, cuando la pequeña Lex se sienta delante de un ordenador, ve una imagen en 3D y dice aquello de “Es Unix, lo conozco”. Por sorprendente que parezca, la escena no es inverosímil. Unix es un sistema operativo bajo el que se han desarrollado varios gestores de archivos (como el Explorer de Windows) con esa apariencia. En este artículo se habla de ellos.

Lo sorprendente es que fuese tan fácil arrancar un sistema tan complejo como el que controlaba el parque. Un doble clic en un fichero y punto…

Independence Day

¡Qué decir de este engendro del entretenimiento! Me da vergüenza admitirlo pero me gustó en su época. Es inverosímil, exagerada y simple, pero aún así me lo pasé pipa viéndola. Quizás es porque en aquella época aún me impresionaban los efectos especiales. Lo malo es que fue de las primeras en confirmar una tendencia muy de moda en el mundo del cine: mucho FX y poca chicha.

Contiene decenas de escenas informáticas legendarias como la del escaneo de frecuencias de móvil desde un portátil pero, sin duda alguna, la mejor es en la que consiguen infectar con un virus un ordenador extraterrestre. La verdad es que las campañas de marketing de Microsoft han sido efectivas: han conseguido venderle un Windows 95 a seres de otro planeta. No hay otra manera de explicar que los extraterrestres tengan ordenadores idénticos a los nuestros. “NEGOTIATING WITH HOST” Grandioso.

Hackers

Todo en esta película es un error informático. Lo más cercano a la realidad es que los ordenadores tienen teclado porque el resto entra de lleno en la categoría de “flipada”. Ya en su momento me pareció una mala película a la que sólo le salvaba la banda sonora.

Era difícil elegir una escena pero por votación popular (hay decenas de cortes en Internet con ella) os enlazo la de la máquina que coloca las cintas de la televisión. Una guerra virtual en toda regla entre los dos hackers más poderosos (la acción empieza en el último minuto).

Operación Swordfish

Seguro que todos la habéis visto ya que la han hechado cientos de veces en la television. Es esa en la que Travolta hace de malo hortera (vaya peinado) y Halle Berry se dedica a lucir palmito mientras que Hugh Jackman ejerce de hacker sosaina. Todo el presupuesto se les fue en la primera escena (que me encanta) por lo que el resto no merece mucho la pena.

Dos son las escenas que me marcaron: una en la que Jackman “trabaja” frente a varios ordenadores con escenas 3D y la que nos ocupa, donde tiene que entrar en un sistema mientras una rubia le hace un “trabajito”. Para hackear el sistema lo único que hay que hacer es teclear a un ritmo frenético.

Matrix

Teniendo en cuenta que la película nos sitúa en un mundo donde las máquinas nos han dominado y donde existe un sistema que sustituye la realidad para los humanos, no hay que buscar muchas exactitudes. Aún así, una de las primeras escenas de Matrix Reloaded es de las más realistas que he visto en el cine.

Trinity utiliza un programa real llamado Nmap para rastrear los ordenadores de una red en busca de puertos vulnerables. Imaginad un puerto como una puerta en una casa, son los puntos de entrada en un ordenador para la información que viene de fuera. Por ejemplo, los datos de las páginas web se transmiten por el puerto 80.

Una vez ha encontrado un agujero de seguridad, ejecuta un programa que se aprovecha de un fallo en el protocolo SSH. Esta tecnología sirve para manejar un ordenador de forma remota mediante un canal seguro. Al saltarse la seguridad consigue desconectar la red.

Escenas como éstas las hay a cientos sobre todo ahora que los ordenadores son algo de uso cotidiano. He seleccionado las que “mejores” recuerdos me traían (lo que es la nostalgia) pero seguro que conocéis alguna aún mejor. Os espero en los comentarios…

1. Obras que jamás sospecharías que son plagiadas

Una de las cosas que más veces te repiten cuando alguien te habla de creatividad es que puedes copiar, pero debes hacerlo bien, o tal y como dijo el genial Albert Einstein:

El secreto de la creatividad es saber cómo ocultar tus fuentes.

No creo que haya que copiar bien. Lo que hay que hacer es fijarse bien en el trabajo de los demás para mejorar, diferenciarse y encontrar nuestro propio camino. Si vas a construir una casa primero mira a tu alrededor, observa lo que han hecho los demás, fíjate en los fallos que cometieron y haz algo nuevo que corrija todos esos problemas.

La cantidad de cómics, películas, series, canciones y en general, obras artísticas que se producen cada año, hacen que sea imposible no encontrar similitudes entre muchas de ellas. Es algo lógico que un artista se inspire en la obra de uno que  le guste mucho. Cuando estudiábamos historia a esto lo llamábamos “influencia”.

El problema es que muchas veces los artistas se pasan de la raya y lo que debería ser una inspiración pasa a ser un plagio descarado. Hay miles de casos y gracias a Internet y la globalización es mucho más fácil detectarlos. A veces son coincidencias, otras veces homenajes pero, aunque algunos artistas lo nieguen, todos guardamos dentro el instinto primigenio de trabajar lo mínimo por lo que no es difícil encontrar casos flagrantes de plagio.

El Rey León vs Kimba El León Blanco

El caso más flagrante es, sin duda alguna, el de El Rey León. Esta grandísima película firmada por la Disney en 1994 supuso un soplo de aire fresco (no se basa en ningún cuento) y un hito en la historia de la animación. Tuvo un éxito tremendo convirtiéndose al instante en una de las 5 películas más importantes del estudio.

Muchos aplaudieron la originalidad y frescura tanto del guión como de los personajes. En su momento ninguna voz se alzó en contra pero luego llegó Internet… y se lió. Relativamente hablando porque, aunque el plagio parece claro, los estudios de Tezuka no han emprendido ninguna acción legal hasta la fecha.

La obra en la que presuntamente (palabra muy de mola en la tele) se basaron los creativos de Disney para hacer su producto es, ni más ni menos, una de las más importantes de Tezuka alias Dios del manga: Kimba El León Blanco. Su manga se publicó en los 50 adaptándose a todo color (una revolución en su época) a la televisión en los 60.

Narra las aventuras de Kimba, un león blanco hijo de Panja, el antiguo rey de la selva que fue abatido por un humano llamado Ham Egg. Tras el asesinato su madre (Kimba aún no había nacido) fue embarcada hacia un zoo. Durante la travesía da luz a Kimba y le pide que se escape. Kimba consigue salir del barco y, gracias a la ayuda de varios animales, vuelve a los dominios de su padre.

Como podéis ver los parecidos no son tanto de guión como de personajes y escenas concretas. Algunos están directamente calcados (como Kimba alias Simba en Disney) y otros son realmente parecidos como Timón.

La verdad es que no me hizo mucha gracia averiguar esto, se me cayó un mito…

Disney Vs Disney

Todo el mundo acusaba a la productora de Los Fruitis por utilizar una y otra vez los mismos cuadros de animación. Ellos lo hacían porque no tenían dinero y trabajaban a destajo pero otros lo hacen por pura vagueza teniendo en cuenta la cantidad de dinero que manejan. A continuación, algunos casos curiosos de planos repetidos entre escenas de distintos trabajos de la propia Disney

Matrix Vs Ghost in the Shell

¡Ah! Matrix, qué bonito recuerdo, enturbiado eso sí por las dos infectas secuelas con las que se cargaron una de las historias más interesantes de los últimos tiempos…

Irrumpió en los cines en 1999 convirtiéndose de forma automática en un auténtico clásico. Convenció tanto a crítica como público y consiguió colar decenas de escenas entre las más impactantes de la historia del cine. Por si no fuera poco, fueron pioneros en utilizar el llamado bullet time, la técnica con la que conseguían mover una cámara alrededor de una escena congelada.

El caso es que no todo iban a ser buenas noticias. Los hermanos Wachowsky nunca han ocultado su admiración por el cine asiático, el manga y el anime. Era obvio que estaban tremendamente influidos por éstos por lo que no es raro encontrar elementos en común. Sin embargo guarda varios parecidos “sospechosos” con la obra de Mamoru Oshii (basada en el manga de Masamune Shirow). ¿Plagio u homenaje? Ustedes deciden.

Atlantis Vs Nadia

Otra vez Disney (los pobres son un filón) y una vez más el plagio no es tanto a nivel argumental sino, lo que es más sangrante, en escenas y personajes. Esta vez los parecidos son entre una obra “menor” como es Atlantis: El Imperio Perdido y el trabajo que precedió a la gran Neon Genesis Evangelion de Gainax, la serie de Nadia. Es cierto que muchos elementos parecen meras coincidencias (que un pendiente sea mágico tampoco es el colmo de la originalidad) pero también es verdad que otros parecen simples fotocopias.

Slam Dunk Vs Mundo Real

Este caso es un poco más rebuscado pero, por otro lado, lógico. Entiendo que cuando un mangaka quiere dibujar alguna escena, lo más normal es que se fije en la realidad. Así va aprendiendo cómo funciona la anatomía humana dando más realismo a sus viñetas. Lo que pasa es que es mucho más fácil calcar que imitar…

O al menos eso es lo que piensa Takehiko Inoue, el autor de esta serie de culto (que aún no he podido ver, por cierto). Cuenta la historia de Hanamichi Sakaguchi, un estudiante de preparatoria que, cómo no, tras una serie de fracasos amorosos conoce al amor de su vida, Haruko, una loca del baloncesto.

¿Qué hacer? Pues lo de siempre, mentir como bellacos y prometer hasta joder. El caso es que se apunta al equipo y empieza la típica historia de superación. A continuación, las fotos del delito.

Mundo Real vs Anime

El Gobierno Chino aprovechó las Olimpiadas del 2008 para vender una imagen de modernidad, libertad y prosperidad a todo el mundo que poco tiene que ver con la realidad social del país. El caso es que no repararon en gastos para que todo lo que rodease a tan magno evento fuese deslumbrante.

Supongo que el volumen de trabajo y presión a la que se vieron sometidas todas las personas que participaron tuvo que ser bestial por lo que algunos no tuvieron más remedio que utilizar Google para adelantar tareas. Seguro que es lo que pasó cuando al dibujante de turno le encargaron esta portada de un panfleto informativo cuya protagonista guarda un “ligero” parecido con Suzumiya Haruhi…

O esta chocolatina bielorrusa…

Naruto Vs Cowboy Bebop

Este caso no deja de ser una mera curiosidad ya que muchas veces los animadores pasan por varias series y es normal que intenten aprovechar trabajo. Yo soy informático y les comprendo, cuando tengo que hacer algo, primero busco entre lo que ya había hecho antes.

Megabaka Vs Todos

Si plagias sé listo y procura que no se note, utiliza obras desconocidas. Está claro que el Naka Gomura, el “autor” de Megabaka no tuvo esto en mente ya que, a juzgar por los hechos, su obra es un collage de, ni más ni menos, series como Death Note y Air Gear, ambas tremendamente populares.

El caso ha sido tan flagrante que el propio autor confesó y Kodansha tuvo que retirar el manga del concurso de nuevos artistas (el copy & paste no es una disciplina aceptada).

En fín, podríamos continuar hasta la extenuación. Algunos “artistas” deben estar tirándose de los pelos ahora que el manga y el anime es tan popular en occidente ya que les será más dificil disimular una copia. Habrá que empezar a investigar obras de países menos populares por si han encontrado otra fuente de “ideas”…

Información obtenida de: Comparison of Tezuka’s Jungle Taitei with the Lion King, Disney’s Lion King Was to be a Remake of Kimba the White Lion?, Prodisney, Taringa, A Matrix & Ghost in the Shell comparison, The Secret Of Blue Water, YTMND – Disney’s Atlantis steals from Nadia, Telepolis, Slam Dunk trace, Animedaisuki, BasuGasu Bakuhatus Anime Blog y AnimeNewsNetwork.

1. Mis secundarios favoritos
2. Curiosidades sobre los nombres de Naruto (I)
3. Curiosidades sobre los nombres de Naruto (II)

¡Qué grande es PIXAR! Puedo decirlo así, a bocajarro y sin preámbulos, porque no hay palabras para describir lo de este estudio. Desde su primer largometraje (Toy Story) no han hecho más que crecer en todos los aspectos y, salvo un par de patinazos, sus trabajos se cuentan por obras maestras.

Toy Story, Bichos, Toy Story 2, Monstruos S.A., Buscando a Nemo, Los Increíbles, Cars, Ratatoullie, WALL-E y la que nos ocupa, Up (subtitulada en España como Una Aventura de Altura) son parte de la historia del cine. Tanto sus historias como sus personajes ya forman parte de la imaginería colectiva. Son auténticas lecciones magistrales de cómo se puede hacer cine comercial y para todos los públicos sin que su calidad se vea mermada en demasía. La pregunta es ¿hasta cuándo les dudará esta racha? Disney empezó así, sus películas se contaban por éxitos pero las ideas se fueron agotando, los productos se fueron puliendo cada vez menos y que pasó lo que tenía que pasar: el fin de la animación 2D. ¿Caerá PIXAR en los mismos errores?

La importancia de la historia

Karl Fredricksen es un anciano que, a pesar de su avanzada edad, aún tiene un sueño por cumplir. Ellie, su mujer, deseó durante toda su vida explorar Sudamérica y conocer Las Cataratas Paraíso. Este deseo es una espinita que Karl decide quitarse cuando amenazan con enviarle a un asilo. Ni corto ni perezoso ata miles de globos a su casa y sale volando en busca de las Cataratas. Todo parece perfecto hasta que alguien llama a la puerta. Es Russell, un Intrépido Explorador que está encabezonado en ayudar a Karl. Parece que su viaje a Sudamérica no va a ser tan tranquilo como creía…

El guión de Up podría considerarse como un cuento moderno que, como siempre, tiene dos lecturas. Los más pequeños tendrán la oportunidad de vivir una gran aventura en un paraje desconocido. Se quedarán con los ojos como platos al descubrir la belleza salvaje de las Cataratas Paraíso, se reirán con los cientos de gags y golpes de la película y pasarán un poquito de miedo con los villanos. Sin embargo, los más mayores asistiremos al relato de un anciano que intenta hacer en el ocaso de su vida todo lo que no pudo llevar a cabo, por unas razones u otras, durante su juventud. Es la historia de todos nosotros. Queremos ser felices y cumplir nuestros sueños pero el Destino manda y no siempre podremos hacer lo que nosotros queramos.

Pero la película no es triste, ni mucho menos. La moraleja es que da igual el momento, siempre tendremos oportunidad de hacer realidad nuestros sueños si ponemos todo nuestro empeño en ello. Es un canto a la libertad y al optimismo que hará que salgamos del cine con unas ganas tremendas de comernos el mundo.

Un paso por delante

Da igual lo que hagan el resto de estudios, en cuanto a calidad de animación PIXAR siempre irá por delante. Todas las imágenes destilan calidad por los cuatro costados, los diseños son maravillosos y sólo por las escenas de los globos merece la pena ir a verla. Crear estas secuencias ha debido de ser un auténtico quebradero de cabeza y habrán supuesto gran parte del tiempo de la producción, pero el resultado merece la pena. La primera secuencia en que aparecen es realmente hipnótica. Sin duda han vuelto a romper una barrera y me muero de ganas de ver qué nos deparan sus próximos proyectos.

Pero el gran logro de la película son los primeros minutos. PIXAR se las apaña para darnos un puñetazo en el corazón con una serie de escenas que, al estilo de los primeros compases de WALL-E, carecen de diálogo. Son un verdadero ejercicio de buen cine y la constatación de que aún no han perdido su toque. Quizás no llegan al nivel de excelencia de su obra anterior pero siguen siendo de lo mejor que he visto en todo el año.

Grandes personajes

Aparte de una buena animación y una historia original, para que una película funcione, debe contar con buenos personajes. PIXAR sabe cómo mimar y sacar provecho de ellos y en Up vuelve a dar en el clavo con la pareja protagonista. En contraposición al cascarrabias de Frank tenemos al hiperactivo y animoso Russell. A pesar de las apariencias, enseguida empatizaremos con el abuelo gracias sin duda a las primeras escenas. Por su parte, Russell se hace querer gracias a su actitud y simpatía. Es un coñazo de crío pero protagoniza algunos de los mejores momentos de todo el film.

También están muy logrados los secundarios que iremos conociendo a lo largo del viaje. Algunos sólo tienen como leit motiv protagonizar gags pero aún así se les mima lo suficiente como para tener personalidad propia.

Pero no todo son buenas noticias ya que el villano de esta película falla. Y no lo hace porque no sea interesante, sino porque, en cierta manera, se le maltrata. Su actitud se simplifica demasiado con el fin de darles a los niños lo que quieren: un malo muy malo, pero a los adultos se nos deja a medias. No comprenderemos la actitud de Charles por lo que no acabaremos de entender sus decisiones. Una pena porque un buen villano es la guinda de toda buena película.

El niño que llevamos dentro

Una cosa que me gusta mucho de este estudio es que, para sus guiones, suelen utilizar las cosas que nos obsesionaban de pequeños. Toy Story nos contaba todo aquello que pasaba en nuestra habitación cuando nos íbamos al cole, Monstruos S.A. nos enseñaba que los monstruos de los armarios no eran tan malvados y Up hace realidad aquello que todos hemos pensado alguna vez: agarrar un globo y salir volando. Lo grandioso del asunto es que consiguen crear una estupenda historia a partir de una premisa tan absurda como fascinante. Quizás es por este tipo de detalles por lo que sus películas tienen tanto éxito, consiguen conectar con nuestro subconsciente sin que nos demos cuenta.

Genial pero…

Tras digerirla durante unos cuantos días puedo decir que Up es una gran película pero no es la mejor de PIXAR. No es tan mágica como WALL-E (cuya primera mitad es lo mejor que ha hecho el estudio), ni tan divertida como Toy Story 2, ni tan redonda como Ratatouille. Le falta algo. Quizás un villano mejor construido, quizás un poco más de variedad en los escenarios (son impresionantes pero no tanto), o un par de secundarios más, no lo sé, el caso es que da la sensación de que se podría haber hecho algo más. Permanecerá en vuestra memoria pero no os dejará recuerdos tan vívidos como otras obras del estudio.

Conclusión

Un gran trabajo, precedido de un corto tremendamente original (no os cuento nada para no chafaros la sorpresa) que, si bien, no supera a su obra anterior, sigue siendo una de las mejores películas del año. Los engranajes de PIXAR siguen estando perfectamente engrasados y no muestran signos de agotamiento. Esperemos que el aumento de productos anuales (empezarán a producir dos películas por año) no impliquen perder la magia con la que hasta ahora han impregnado sus obras…

8/10

Ficha técnica

		Nombre original: Up
		Nombre en España:Up, Una Aventura de Altura
		Director: Pete Docter
		Año: 2009
		IMDB.com: 8.8

1. Lost in translation
2. Memento
3. Slumdog Millionaire

Contra todo pronóstico

Una de las cosas que más me gusta de los premios Oscar es que el reparto de galardones suele ser imprevisible. No siempre la película mejor valorada por crítica y público se lleva el gato al agua por lo que las galas suelen ser bastante emocionantes en este sentido. Obviamente esta aparente aleatoriedad ha provocado injusticias históricas como los casos de Alfred Hitchcock o Tom Cruise, ambos sin galardón. Del primero no hay duda sobre su calidad y repercusión en la industria. El segundo está en horas bajas pero, “al César lo que es del César”, en su extensa carrera ha perpetrado varias actuaciones merecedoras del “calvito dorado”.

La última edición no fue una excepción y deparó varias sorpresas. Todo empezó en las nominaciones donde una de las mejores películas de acción de los últimos tiempos quedó fuera de los premios importantes. Hablamos, cómo no, de El Caballero Oscuro. Descartada la favorita del gran público, el pastel se iba a repartir entre las películas de David Fincher y Danny Boyle. El primero presentaba un drama fantástico con dos pesos pesados en pantalla: Brad Pitt y Cate Blanchett. El segundo llevaba a concurso una historia sobre la miseria de la India protagonizada por desconocidos que, para sorpresa de todos, se llevó la friolera de 8 Oscars.

La cruda realidad

Slumdog Millionaire cuenta la historia de Jamal Malik, un antiguo niño de la calle (slumdog, perro callejero) que al hacerse mayor consigue participar en la versión hindú del programa ¿Quién quiere ser millonario? Contra todo pronóstico llega a la pregunta final, pero los responsables del programa piensan que Jamal está haciendo trampa por lo que le denuncian a las autoridades que proceden a interrogarle.

Jamal les dice a los policías que ha aprendido las respuestas por pura casualidad a lo largo de su vida como niño de la calle. Es en este punto donde arranca la película. Mediante una serie de flashbacks Jamal nos relatará las experiencias que le llevaron a conocer estas respuestas.

Nos hablará de su infancia junto a su madre, de la temporada que pasó con Maman, un criminal sin escrúpulos que recluta a niños para usarlos para mendigar. También veremos cómo él y su hermano Salim se ganan la vida haciendo de vendedores en trenes o de guías turísticos en el mismísimo Taj Mahal…

Sin aditivos

A primera vista puede parecer que Slumdog Millionaire no es más que una versión de Ciudad de Dios ambientada en la India. No obstante comparte con ella numerosos elementos como el uso de actores desconocidos o el reflejo de un drama humano. Sin embargo, la obra que nos ocupa se desmarca de Ciudad de Dios en el hecho de que no es ni tan violenta ni tan pesimista. A pesar de lo trágico de la historia de Jamal, Danny Boyle siempre deja una ventana abierta al futuro, un destello de esperanza entre tanta miseria. Además, la violencia no se refleja de una forma tan cruda como en la película de Fernando Meirelles. No se intenta horrorizar o impactar de forma artificial al espectador, simplemente se muestra como parte de la vida de estos chicos.

Gracias a todo esto, Slumdog Millionaire se convierte en una apasionante película que, aún narrando hechos tan terribles como los que sufren estos chavales, consigue que veamos la vida con otros ojos, con unos mucho más alegres e inocentes. Los slumdogs no tienen nada pero aún así afrontan su destino con infinita esperanza. Al ver con lo que tienen que luchar estos niños nos damos cuenta de las nimiedades que a veces nos obsesionan. Puede parecer un tópico, pero os aseguro que después de ver esta película vuestros problemas os parecerán auténticas gilipolleces.

Un gran director

Lo que más me ha sorprendido de la película es lo inteligente de su estructura narrativa. Mientras Jamal nos cuenta cómo aprendió las respuestas, iremos averiguando porqué decidió presentarse al programa. Ambas historias están íntimamente ligadas y, conforme más vayamos sabiendo sobre la vida de los dos hermanos, más desearemos saber si Jamal conseguirá demostrar su inocencia y, en el mejor de los casos, llevarse el gran premio.

Todo está conectado y lejos de ser una retahíla de hechos tristes, Slumdog Millionaire es una aventura que se extiende a lo largo de toda una vida cuya recta final os dejará sin aliento. El hecho de saber que Jamal sobrevive a tan lamentable infancia hace que veamos todo como un camino, lleno de obstáculos eso sí, pero al fin y al cabo un camino que nuestro protagonista recorrerá para alcanzar sus sueños.

Por otro lado, tal y como comentamos más arriba, el director huye del morbo. Todas las escenas de la película están justificadas y nunca se intenta conmover al usuario de forma artificial. Es más, donde algunos directores mostrarían un primer plano para regodearse sobre la truculencia de algunos hechos, Boyle, en un ejercicio de buen gusto, trata la escena de una forma más sutil que en algunos casos produce un impacto aún mayor.

Luz y color

Cuando pensamos en la India inmediatamente acuden a nuestra mente imágenes llenas de música y color. Ropas y lugares exóticos que Danny Boyle consigue reflejar a la perfección en su obra. Nos llevará de la mano a conocer el auténtico infierno, pero por el camino nos permitirá contemplar la increíble riqueza y belleza de este país que, como tantos otros, no consigue salir del tercer mundo.

La fotografía es espectacular. Incluso los rincones más oscuros de los suburbios tendrán ese toque exótico que identifica a este fascinante país.

Pero no es oro todo lo que reluce

La parte oscura de esta obra maestra ha sido la triste historia de sus actores protagonistas. El equipo utilizó auténticos chavales de los suburbios para interpretarlos. Lamentablemente, lo que podía haber sido una vía de escape para los niños, se convirtió en una pesadilla. Mientras el resto del equipo ganó mucho dinero gracias al éxito de la película, la situación de los niños no cambió: el padre de Rubina Ali intentó venderla ante la imposibilidad de ganar dinero a costa de la fama de su hija y las autoridades derribaron la chabola donde vivía el otro protagonista, Ismail.

Paradojas de la vida. Una película que nace como una denuncia de una terrible situación, no sólo no ayuda, sino que empeora la situación de las personas a las que intenta defender…

Conclusión

Slumdog Millionaire es una sorprendente y emocionante película que nos traslada a un mundo donde nadie debería vivir.

Afortunadamente su director no cae en la tentación de hurgar demasiado en la herida por lo que, a pesar de las miserias de las que seremos testigos, la película está llena de esperanza y alegría, sentimientos que, por respeto a las personas que representa, nunca deberíamos olvidar.

Otra de sus grandes virtudes es su estructura que la dota de mucho ritmo y la aleja de convertirse en “otra” película de calamidades más.

En resumen, una película muy recomendable que se convierte en una auténtica reivindicación del buen cine.

9/10

Ficha técnica

		Nombre original: Slumdog Millionaire
		Nombre en España:Slumdog Millionaire
		Director: Danny Boyle
		Año: 2008
		IMDB.com: 8.5

1. Lost in translation
2. Memento
3. Up, Una Aventura de Altura

La cantidad de novedades, conferencias y actividades es abrumadora. Yo personalmente no puedo dormir desde que supe que James Cameron iba a presentar su última obra: Avatar. Lo hace hoy así que en muy pocas horas sabremos si es tan espectacular como dicen los que han visto algo o si nos están vendiendo humo.

El show ha empezado fuerte ya que ayer se presentó el ramake de V (miedito tengo), mítica serie que en España tuvo un éxito abrumador. También hay rumores de que veremos algo más de Iron-Man 2 así que nos espera un fin de semana cargado de noticias.

1. Avatar. El cine del siglo XXI

Tampoco me gustaría estar en la piel de un actor secundario. Su trabajo está peor valorado que el de las personas que doblan y guardan el folleto de instrucciones en las medicinas. Tienen un premio Oscar sí, pero se da al principio de la gala, cuando la gente está empezando a cenar y por lo tanto no le hace mucho caso a la tele.

Este post es un homenaje a todos ellos (centrándome en obras recientes), a todos esos personajes que, sin ser protagonistas de nada, son un ingrediente fundamental de cualquier obra. Muchas veces los protagonistas, por tener que ser los más fuertes, los que matan al malo de turno y los que se llevan la mejor chica, carecen totalmente de personalidad. Sin un buen secundario serían un auténtico peñazo.

Serie manga: Ussop de One Piece

¿Quién es? Ussop es el tercer miembro de la tripulación de Luffy. También es el más débil, mentiroso y cobarde del grupo. Su padre le abandonó cuando era pequeño para convertirse en un gran pirata. Él no le guardar rencor ya que admira que fuese capaz de abandonarlo todo por perseguir su sueño. Precisamente su meta es seguir los pasos de su progenitor convirtiéndose en el mejor pirata del mundo

Ussop miente más que habla pero también es el mejor compañero que te puedes echar. Suele escaparse a la mínima sospecha de peligro pero al final acaba ayudando y recibiendo las palizas más grandes que jamás se han visto en un shonen.

¿Por qué es mi favorito? Porque Ussop suele participar o ser el desencadenante de los momentos más divertidos de la serie. Su protagonismo en las peleas (salvo excepciones) es nulo pero cuando se trata de pasar un buen rato cantando, bebiendo o haciendo el idiota, suele ser el líder.

Su mejor momento. Ussop es uno de los pilares de One Piece. Se pasa la vida haciendo el chorra con Chopper y Luffy por lo que protagoniza momentos realmente grandiosos. Quizás el mejor es la dramática y desigual pelea que mantiene con Luffy defendiendo el Going Merry.

Videojuego: Yorda de Ico

¿Quién es? Yorda es la hija de la reina del castillo en el que Ico está encerrado. Su madre la mantiene secuestrada y oscuras criaturas intentan llevársela por lo que Ico, que es muy buen tipo a pesar de tener cuernos, decide rescatarla y salir con ella del castillo.

¿Por qué es mi favorito? Porque desde el momento en la que la vemos por primera vez, tan frágil y tan bella, nos quedamos prendados de ella. Es inevitable que unos caballeros como nosotros permanezcan impasibles ante tamaña injusticia.

Su mejor momento. Quizás la primera vez que la vemos enjaulada. El equipo de Fumito consigue un momento grandioso con una sabia mezcla de sonido, música e imágenes.

Película: Harvey Dent de El Caballero Oscuro

¿Quién es? Dent es el nuevo héroe de la ciudad. Su actividad como fiscal del distrito está arrinconando a los mafiosos por lo que se convierte en un posible aliado y, quizás, sustituto de Batman. También es el novio de la ex de Bruce, Rachel Dawes.

¿Por qué es mi favorito? Porque consigue ganar protagonismo en una cinta plagada de grandes personajes como el comisario Gordon o el propio Joker. Harvey empieza siendo un personaje más (y bastante arquetípico por cierto) pero acaba convirtiéndose en un pilar fundamental de esta obra maestra del cine moderno.

Su mejor momento. Sin duda alguna su transformación como consecuencia de su bis a bis con el Joker.

Serie de televisión: Saturno (alias Satur) de Águila Roja

¿Quién es? Satur es en lo que seguramente se convirtió El Lazarillo cuando se hizo mayor. Golfo y pobre como las ratas, pasa su vida haciendo cualquier cosa por conseguir un poco de comida y dinero que invertir en las mozas de la ciudad.

¿Por qué es mi favorito? Porque siendo torpe, guarro e inútil se convierte en una pieza clave de la serie. Es el recurso cómico por excelencia de El Águila Roja además del compañero ideal para alguien tan soso como Gonzalo de Montalvo. Sin él la serie no sería ni la mitad de divertida.

Su mejor momento. “¿Sabes por qué los hombres tienen dos manos? Porque las mujeres tienen dos tetas”.

Serie anime: L de Death Note

¿Quién es? Es un loco detective privado famoso por resolver los casos más complicados. Nadie conoce su verdadera identidad porque, a pesar de usar distintos seudónimos, nunca ha desvelado quién es realmente. Se caracteriza por ir descalzo, comer miles de dulces y andar encorvado. Es una especie de espantapájaros humano.

¿Por qué es mi favorito? El arco argumental que gira alrededor de la investigación de L es lo mejor de esta gran serie (incluida en anime porque no me he leído el manga). Su duelo de perspicacias con Light Yagami nos deja sin aliento gracias al juego de tretas, contratretas y contracontratretas que ambos practican.

Su mejor momento. Cuando se presenta a Kira, me quedé con la boca abierta.

Libro: El Equipaje de la serie Mundodisco

¿Quién es? Este baúl hecho de Peral Sabio es el equipaje de Dosflores, el turista del Imperio Ágata que indirectamente provoca un auténtico caos en todo el Disco. Se caracteriza por una extrema lealtad a su dueño que le lleva a perseguirle hasta, literalmente hablando, el reino de los muertos.

Además, su indestructibilidad y su poderosa mandíbula le convierten en un terrible enemigo

¿Por qué es mi favorito? Aunque en la primera parte tiene cierto peso no es hasta La Luz Fantástica cuando protagoniza sus mejores momentos. Tanto los momentos en los que se muestra herido en sus más profundos sentimientos como cuando se convierte en una despiadada máquina de matar son de lo mejorcito de la obra.

Su mejor momento. La parte en la que aterroriza a los bandidos persiguiéndolos por la selva. Geniales los momentos al más puro estilo literatura de terror que  protagoniza.

Músico: Keith Richards de los Rolling Stones

¿Quién es? Guitarrista por excelencia de los Rolling Stones y uno de los más grandes de la historia, Keith compite con Jagger por ser el más cafre de los miembros de la banda.

¿Por qué es mi favorito? Porque ha compuesto muchas de las canciones del mítico grupo, porque presume de no acurdarse nada de la década de los 70 y por la excusa que puso para no venir a España en una gira…

Su mejor momento. “El guitarrista de los Stones Keith Richards, operado de un coágulo en el cerebro tras caerse de un árbol“.

Y los vuestros ¿cuáles son?

1. Obras que jamás sospecharías que son plagiadas
2. Evolución de las ediciones manga en España
3. Portrait of Pirates. Las mejores figuras de One Piece

Una película con muchos premios

Al igual que me pasó con Lost in Translation, por el hecho de anunciarse mediante los premios y buenas críticas recibidas, Memento era una película que no me atraía especialmente. Reconozco que es una manía un poco idiota, pero la primera vez que hice caso a ese tipo de reclamo publicitario fue con Gosford Park y aún me duele la cabeza de la de collejas que me llevé (creo que arrastré a ocho personas más al cine).

El caso es que como me suele pasar (tengo muy mal ojo para elegir películas) me equivoqué. Memento es una grandísima película que daba muchas pistas sobre el potencial de su director, Christopher Nolan, el encargado de resucitar (y de qué manera) la franquicia Batman.

Una historia de venganza

Memento nos narra la historia de Leonard, un investigador de fraudes de seguros cuya única obsesión en la vida es la de matar al hombre que violó y asesinó, en su propia casa, a su mujer. Cuando Leonard fue al baño a ayudarla, un asaltante le golpeó en la cabeza provocándole una extraña enfermedad que le impide crear nuevos recuerdos.

Esto obliga a Leonard a apuntarse en notas y fotos instantáneas todo lo que le sucede. Es incapaz de recordar a las personas con las que habla por lo que les hace fotos y apunta sus nombres y pistas que le ayuden a saber si son de fiar o no. También hace lo mismo con su coche, alojamiento, etc.

No siempre utiliza un sistema tan volátil. Ha reservado su cuerpo para las notas más importantes: todo lo relativo a la búsqueda del asesino de su mujer. Cada vez que descubre algo se lo tatúa en el cuerpo para tenerlo siempre presente.

Deconstruyendo el tiempo

Hasta aquí todo sería normal, una película más centrada en la venganza de un protagonista aquejado de una extraña enfermedad. Lo realmente impactante de Memento no es su historia, sino cómo está contada ya que el hilo temporal de Memento va hacia atrás. La película empieza por el final de la historia y mediante cortas escenas (lo que dura la memoria de Leonard) nos narra los hechos que desembocaron en el final que ya hemos visto.

En paralelo  a esta historia asistiremos a una larga conversación telefónica que el protagonista mantiene con un desconocido. Esta trama sí que se desarrolla cronológicamente y nos irá dando pistas para comprender ciertos sucesos.

Lo más interesante de todo el asunto es que pese a lo aparentemente complicado que parece todo esto, la película es muy fácil de seguir… si prestamos atención. Casi todo lo que sucede no es que sea importante, es que es vital para la trama. Cada detalle, cada conversación, cada hecho son pistas para desentrañar el ingenioso puzle planteado por Nolan.

Y es que Memento no es más que una triple pirueta mortal dada por su director mediante un montaje increíblemente ingenioso. Conseguir dar coherencia a una película contada al revés mediante secuencias de apenas 10-15 minutos es algo que le tuvo que provocar migrañas, úlceras y ataques de pánico.

Muchas veces cometemos el error de restarle importancia al montaje cuando es una de las piezas fundamentales de una película. Es el montaje el que le da el ritmo a la película, es el montaje el que nos ayuda a centrarnos en los detalles. En este caso lo es todo. Estoy seguro de que si vemos Memento en orden cronológico no sería ni la mitad de interesante.

Las cosas son como las recuerdas

Cuando se habla de lo que el director quería decirnos es cuando empieza la verdadera fiesta de los críticos. Donde unos ven una reflexión sobre la moralidad de las parejas homosexuales de ornitorrincos, otros no ven más que dos ornitorrincos durmiendo juntos. Yo ni soy crítico ni le intento ver tres piernas al gato, así que me centraré en lo que todos podemos ver.

Muchas de las conversaciones de Leonard con el resto de personajes giran alrededor de la fiabilidad de nuestros recuerdos. Él no los tiene por lo que ha inventado un método supuestamente objetivo para recordar, a su manera, la realidad. La memoria es muy puñetera y es capaz de transformar un hecho aparentemente normal en algo sumamente excepcional. Por esto Leonard decide no fiarse de ella y utilizar únicamente como fuente de recuerdos su registro de fotos y tatuajes.

Lo interesante del asunto es que el que apunta las notas es él, por lo que en el momento de escribirlas ya ha transformado la realidad. Así que realmente la pregunta es ¿debe fiarse completamente de sus notas?

Actorazos

Es curioso pero es un hecho: la mayoría de las interpretaciones de las películas llamadas “independientes” dan cien vueltas a las hollywoodienses. Memento no es la excepción por lo que sus tres protagonistas: Guy Pierce, Carry-Anne Moss y Joe Pantoliano clavan a sus personajes.

Edición española

Compré el típico DVD con caja metálica de un disco y sin libreto. La calidad de la imagen no es mala pero tampoco es una maravilla. Eso sí, el doblaje es muy bueno.

Conclusión

Memento os gustará, enganchará y lo que es más importante, os sorprenderá. Es una película tan original como inimitable que sirvió de lanzadera a uno de los directores más influentes de nuestro tiempo.

9/10

Ficha técnica

		Nombre original: Memento
		Nombre en España: Memento
		Director: Christopher Nolan
		Año: 2000
		IMDB.com: 8.6

1. Lost in translation
2. Slumdog Millionaire
3. Up, Una Aventura de Altura