Todos hemos vivido buenos momentos con los cómics y el anime. Gracias a la variedad de autores, temas y personajes, la cantidad de momentos únicos es inagotable. Pero a pesar de ello, los momentos realmente grandiosos, míticos, aquellos que se graban a fuego en nuestra mente son bastante más escasos.

One Piece es un buen ejemplo de ello. Gracias a sus personajes, peleas y al absurdo de sus situaciones tiene momentos realmente buenos. Pero como os dije al principio, momentos realmente únicos tiene pocos y hoy os voy a hablar de uno de los mejores, la desigual y épica pelea entre Luffy y Usuff.

Ambos son dos de mis personajes favoritos por lo que estos capítulos me gustan especialmente, pero seguro que también están entre los favoritos de los millones de lectores de este irrepetible manga. Pasen y vean, la Gran Pelea va a empezar.

El contexto

Tras vencer a Ener en Skypiea y a la banda de Foxy en el juego Davy Back Fight, la tropa de Luffy llega a Water Seven, la isla de los constructores navales, con la intención de reparar la malograda Going Meri y de conseguir un carpintero para la tripulación.

El diagnóstico de la revisión es claro, el barco que ha acompañado a nuestros amigos a lo largo de más de 330 capítulos ha llegado a su último puerto. Going Meri no podrá volver a navegar.

Luffy, como buen capitán que es (aunque no lo parezca), acepta lo inevitable y toma la decisión de abandonarlo y de buscar un nuevo navío que los acompañe en el resto de su viaje en búsqueda del mítico One Piece.

Por su parte, Usuff es atacado por el Clan de Franky los cuales le roban el dinero que en un principio iba a servir para la reparación. Abatido y humillado corre a la guarida de los ladrones para intentar recuperarlo. El resultado es obvio, acaba con todos los huesos rotos. Como siempre vamos, es lo que tiene ser el débil del grupo.

Luffy, Sanji, Zoro y Chopper se vengan destruyendo la guarida y tras curar a Usuff de sus heridas, le dan la triste noticia. Usuff no lo acepta y tras una acalorada discusión con Luffy donde ambos dicen cosas de las que luego se arrepentirán, abandona la banda y reta a su ex-capitán a un duelo por Going Meri. Una de las batallas más emotivas de toda la serie está a punto de empezar.

Aunque ya os podéis imaginar el resultado, la tensión emocional que rodea a este enfrentamiento lo hace tremendamente especial, siendo para mí uno de los mejores momentos de este interminable shônen. Ambos son dos de los personajes que más “vidilla” dan a la serie, uno por ser el más poderoso y otro por ser el cobarde, mentiroso y divertido compañero que es. Un duelo entre ellos es lo que necesitaba la serie para recuperar el nivel de calidad perdido en la aventura de Skypiea (para mí la peor hasta el momento).

La Gran Pelea

Más que el combate, lo realmente importante de este enfrentamiento son los capítulos anteriores que sirven de preparación para el gran final. En él vemos a un Usuff cada vez más abatido e impotente ante su propia debilidad. Por otro lado, Luffy va asumiendo cada vez más su papel de capitán tomando las decisiones adecuadas por muy desagradables que sean.

La pelea se desarrolla en los capítulos 332 y 333 (tomo 35) y en ellos Usuff hace uso de todas las tretas que conoce para intentar derribar a su capitán. Ambos saben que el resultado es inevitable, pero aún así tanto el uno como el otro se esfuerzan al máximo y dan lo mejor de sí honrándose mutuamente. Os recomiendo que los leáis ya que ambos capítulos contienen algunas imágenes tremendamente geniales.

Destacaría tres momentos especialmente impactantes: la viñeta en la que aparece Going Meri “llorando” mientras Luffy y Usuff luchan a vida o muerte. El final, con un Usuff derrotado y Luffy gritando aquello de “¿Cómo pensabas que podrías derrotarme?” y finalmente el discurso de Zoro, en el que insta a Luffy a no dudar. Los pelos de punta oigan.

En resumen, una pelea irrepetible que demuestra que el señor Oda, a pesar de la cantidad de años que lleva trabajando en One Piece, aún esconde muchas sorpresas bajo su manga.

Imágenes obtenidas de: animextremist.com

1. Mis secundarios favoritos
2. 20th Century Boys
3. Gunnm Last Order

Si se hiciese una encuesta a nivel mundial preguntando sobre la adaptación más deseada a imagen real de una película anime, tengo claro que ganaría por goleada la de Akira.

No es sólo que tanto la versión animada como el manga sean de lo mejor que se ha hecho en toda la historia del cómic japonés, sino que esta película fue el caballo de batalla para la introducción del anime en Estados Unidos y en Europa.

De momento y a pesar de los rumores, no hay ningún gran estudio que se atreva con la adaptación. Pero amigos, internet es muy grande y gracias al nacimiento de sitios como Youtube, son muchas las personas y estudios indies que han coqueteado con la idea de esta adaptación.

A continuación, una selección de los cortos y tráilers sobre una posible película de Akira más curiosos y trabajados.

Akira: The Kaneda Short Film

Sin duda el más currado de todos gracias a un presupuesto bastante respetable para un experimento como éste. Sus responsables son Eye Tape Productions, una pequeña productora que ha encontrado una gran forma de darse a conocer.

Akira The Fan Trailer

Su nombre lo indica todo, un tráiler hecho por fans para fans que es cutre como él solo. Lo mejor es que le han echado valor e incluso se han atrevido a hacer unos cuantos efectos especiales.

Su creador es Arcadian Entertainment, una pequeña productora independiente de películas y cortos de fantasía y ciencia ficción.

Homage to Akira

Cortísimo tráiler hecho por JC Weatherby que se centra en el poder destructor de los satélites del ejército (cada vez que cojo el Martillo del Alba en el Gears of War me acuerdo de ellos)

Akira Live Action Trailer

Tráiler montado a partir de fragmentos de películas como Matrix Revolutions, Donnie Darko y Speed Racer entre otras. Un poco inconexo pero la idea se entiende.

Live Action Akira (parte I y II)

Otro hecho a partir de fragmentos de películas. Se divide en dos partes y la verdad es que no está nada mal para ser lo que es.

¿Cómo sería la película de imagen real de Akira?

Este vídeo es más bien una pequeña reflexión acerca de cómo sería esta adaptación. Se muestran imágenes de las motos inspiradas en la de Kaneda, se plantean posibles lugares para situar la acción, actores, etc.

Live Action Akira (parodia)

Y para terminar esta penosa parodia que confirma mi teoría de que en el mundo hay mucha gente con demasiado tiempo libre.

1. El mundo de los inmortales. 3×3 Ojos
2. Guyver. Armadura bio-aceleradora
3. Moribito, Guardián del Espíritu Sagrado

El mítico estudio Gonzo, creador de grandísimas series como Vandread, Hellsing o Saikano (Mi novia, el Arma Definitiva) empezó a emitir en abril del 2003, con motivo de su décimo aniversario, la serie de la que os vengo a hablar hoy: Last Exile o ラストエグザイル (rasuto eguzairu).

Veintiséis episodios, un mundo en guerra con aire steampunk que recuerda al de la Revolución Industrial europea y sobre todo vehículos voladores, muchos vehículos voladores, creados íntegramente en 3D para una serie que confirmó a este estudio como uno de los más grandes del país.

Precisamente, el uso de animaciones 3D perfectamente integradas con el dibujo tradicional es la característica más importante de esta serie. No fue la primera que las combinó (el propio Gonzo las había utilizado en proyectos anteriores) pero la maestría demostrada por los animadores les permitió crear algunas de las escenas aéreas más espectaculares que hemos visto.

Si todo esto lo aderezas con un poco de humor, personajes para el recuerdo y mucha acción, el resultado es una serie espectacular y divertida como pocas.

Argumento

Last Exile nos cuenta la historia de Claus y Lavie, dos mensajeros del reino de Anatore que sueñan con atravesar el Grand Stream, una zona cuyas continuas tormentas de aire la hacen prácticamente inalcanzable para cualquier piloto. Trabajan como mensajeros y gracias a su habilidad reciben un importante encargo que les llevará a verse envueltos en la guerra que Anatore mantiene con el reino de Deusis.

Para realizar sus misiones los mensajeros utilizan Vanships, el artilugio volador por excelencia del mundo en el que viven nuestros protagonistas. Un biplaza tremendamente ágil y rápido llamado a jugar un papel crucial en la guerra entre ambos reinos.

Estos mensajeros gozan de mucho respeto debido a la importancia de sus misiones. Son los únicos capaces de entregar una carta en cualquier parte del mundo por lo que muchas personas y naciones dependen de ellos.

El Vanship de Claus y Lavie

El planeta está gobernado por la nación de Guild que, gracias a sus extraordinarias aeronaves (la población entera vive en ellas), actúan de árbitro y juez en todos los aspectos de la vida. De hecho, son los encargados de garantizar que todas las naciones respeten una especie de código de guerra a la hora de resolver sus conflictos. Aunque claro, esta supuesta imparcialidad depende de los caprichos de su soberano, el Maestro Delphine.

Su posición hegemónica se debe a que las Unidades Claudia de las naves insignia (la tecnología que las hace volar) dependen de ellos. Si lo quisieran, en un abrir y cerrar de ojos podrían destruir todas las flotas del mundo.

Bajo extrañas circunstancias, Claus y Lavie reciben la misión de llevar a una niña llamada Alvis hasta la nave Silvanna. Perteneciente al reino de Anatore y comandada por el misterioso Alex Rowe, es una de las más poderosas del mundo. Tanto que es capaz de inclinar la balanza hacia un bando u otro.

Nuestros amigos pasarán entonces a formar parte de la tripulación de esta nave cuyo capitán no está interesado en el conflicto con Deusis, sino en el Exilio, algo que podría hacer que el tirano gobierno de Guild se derrumbe…

Personajes para el recuerdo

Una de las cosas más importantes de una serie y de la que los creadores de Last Exile pueden estar más que orgullosos son los personajes ya que, por muy buena que sea la historia, si no conseguimos identificarnos con sus protagonistas, acabaremos por aburrirnos.

Afortunadamente se ha puesto especial cuidado a la hora de crear y desarrollar un elenco que abarca desde los más tópicos a algunos de los más interesantes que he visto en bastante tiempo. De ahí el tremendo éxito de Last Exile, que la ha llevado a aparecer en todos los tops como una de las veinte mejores series anime de todos los tiempos.

A los entusiastas Claus y Lavie se le une la tripulación del Silvanna: la primera oficial Sofía Forrester que guarda una extraña relación de sumisión con Alex, la mujer de hielo Tatiana Wisla y su obediente compañera Alister Agrew que forman una de las mejores parejas como pilotos Vanship del mundo y el propio Alex Rowe, sin duda el personaje capital de la serie ya que él y su Silvanna son el auténtico motor argumental de Last Exile.

Alex y Sofía con el Silvanna de fondo

Del reino de Guild tenemos al excéntrico Dio Elaclair, un extraño personaje que se obsesiona tanto con Claus que le llevará a seguirle hasta el propio Silvanna arrastrando consigo a su fiel compañero Lucciola.

Por otro lado nos encontramos a Moran Shetland, un fusilero de Anatore que protagoniza el primer capítulo que a la postre es uno de las más intensos y espectaculares; Vincent Alzey, comandante de la nave Urbanus y antiguo amigo de Alex y Sofía y, cómo no, el Maestro Delphine, el líder de Guild.

Pero como digo, el personaje más importante de Last Exile no es otro que el Silvanna. Capitaneado por el misterioso Alex, nadie tiene del todo claro cuales son sus verdaderas intenciones ni qué pretende hacer con el artilugio llamado “Exilio”.

Lo que más me ha gustado es lo bien recreado que está el pequeño micromundo que conforma el Silvanna. Conoceremos a su tripulación, su funcionamiento, sus puntos fuertes y sus limitaciones… llegaremos a conocerla tan bien que al final nos sentiremos parte de ella. Quizás este es el gran logro de Last Exile, el de conseguir que nos sintamos como uno más a bordo del Silvanna.

Este gran elenco de personajes da a su vez vida a un universo tremendamente rico y original que es otro de los grandes logros de esta serie.

Un mundo en los cielos

Nos encontramos en un planeta cuyas naciones dependen más del cielo que de sus posesiones terrenales. Por el aire surcan los pequeños Vanships acompañados por verdaderas fortalezas flotantes como el Silvanna, que en ciertos casos actúan a la vez de morada para sus habitantes y como vehículo de guerra.

Por otro lado tenemos a los mensajeros de Anatore , organización cuya misión es entregar un mensaje en cualquier parte del mundo y bajo cualquier circunstancia. Es por esto que entre sus filas se encuentran algunos de los mejores pilotos, como la pareja formada por Claus y Lavie.

Dio, sin duda el personaje más excéntrico de Last Exile

Dependiendo de la dificultad del encargo, el mensaje recibe una clasificación en forma de número de estrellas que a la vez reportan un mayor prestigio a los pilotos a los que se les encargue. Se habla de que la mayor dificultad implica entregar un mensaje dentro del propio Grand Stream…

Esta dependencia de las aeronaves hace que la historia de Last Exile transcurra casi exclusivamente entre los cielos de este particular mundo. De hecho, a veces me recuerda a la obra de Miyazaki, otro apasionado de los aviones, o a juegos como Skies of Arcadia.

Y quizás ahí radica el secreto de su éxito. El hecho de que transcurra entre pequeñas naves como los Vanships y mundos flotantes como el Silvanna, la hace tremendamente original y diferente al resto de las series que estamos acostumbrados a ver.

Alas de guerra

Viendo un par de vídeos de la serie, os podréis hacer una idea de la calidad técnica que atesora. Gonzo siempre se ha caracterizado por producir obras punteras tecnológicamente hablando (sólo superadas por las de Production I.G) y esta vez no es una excepción: diseño de personajes con mucha personalidad, una animación muy fluida, naves dignas de cualquier superproducción hollywoodiense y un uso ejemplar de escenas generadas por ordenador, hacen de Last Exile un auténtico placer para los sentidos.

Las grandes beneficiadas son, sin duda, las escenas de acción. Carreras entre Vanships, épicas batallas entre gigantescos buques y duelos entre biplazas, todas ellas son espectaculares y cuentan con mucho ritmo. Aunque no seas un apasionado de los aviones (yo no lo soy) disfrutarás como un niño con todas ellas.

La nave insignia del reino de Guild

El diseño de las aeronaves merece una mención aparte ya que se han cuidado mucho para que tengan personalidad propia. Por un lado los ligeros Vanships, que recuerdan a lo aviones de la Primera Guerra Mundial y por otro las naves insignia como el Urbanus o el Silvanna, auténticos mundos flotantes semejantes a los Destructores de Star Wars, todos gozan de un diseño francamente bueno.

Un final demasiado atropellado

Pero claro, nada es perfecto y como cualquier serie Last Exile tiene sus defectillos. A lo largo de 26 capítulos se nos plantean numerosos enigmas que, al igual que me temo pasará con Lost, se resuelven atropelladamente en el tramo final.

Esto de liar la madeja a lo bestia para desliarla en diez minutos es algo que pasa en muchísimas obras y, si bien se da respuesta a la mayoría de las preguntas, no hubiera venido nada mal dedicar un poco más de tiempo a aclarar todos los enigmas de Last Exile.

Pero vamos, no es nada importante que se hace insignificante ante la cantidad de buenos momentos que pasaremos a bordo el mítico Silvanna.

Conclusión

Una serie que trascurre en un universo tremendamente original, con una calidad técnica muy por encima de la media, grandes personajes, mucha acción y un guión a la altura… ¿a qué esperas para comprarla?

1. El mundo de los inmortales. 3×3 Ojos
2. Guyver. Armadura bio-aceleradora
3. Especial Silent Hill (I)

Alas de Guerra Sobre el Japón es un tomo único en formato álbum que aglutina tres historias cortas de Seijo Takizawa. Aparte de su temática casi inédita en España (la 2ª Guerra Mundial), este cómic es especial porque entraría dentro de lo que podríamos llamar como “cómic de aeromodelismo”, es decir, sin despreciar el resto de elementos, los principales protagonistas son los aviones.

Si estuviésemos hablando de otro país no sería tan especial, pero tened en cuenta que las historias las narra un ciudadano de una nación que amó con pasión a sus aviones (como anteriormente amaron a sus barcos) y cuya sociedad se derrumbó al perder la guerra. Antes de ella eran un Imperio comandado por un Emperador Divino, después no eran más que una nación arruinada ocupada por el Ejército Aliado.

Estamos acostumbrados a que sean los vencedores los que escriban la historia. Alas de Guerra Sobre el Japón da voz a los que lo perdieron todo.

Tres historias, un mismo escenario

Los relatos (El Ki-108 remodelado no regresa, EX Ki-94II y El cometa de la oscuridad) transcurren alrededor del fatídico 6 de agosto de 1945, día en que se lanzó la primera bomba atómica sobre Hiroshima. Los japoneses sabían que iban a perder la guerra porque su ejército era muy inferior al de los Aliados, pero los militares no daban su brazo a torcer, por lo que no quedaba más remedio que seguir luchando.

Las historias siempre giran alrededor de algún nuevo modelo o mejora que podría cambiar ligeramente el rumbo de la historia y están protagonizadas por soldados que siguen luchando, no tanto por amor a su país, sino por amor a su avión. Estas novedades no darán la victoria al Imperio, pero se aferran a ella como un náufrago a un tronco en medio de un mar encrespado.

Todos tienen ese halo fatídico que suele impregnar las historias de los vencidos. Sabemos de antemano que sus esfuerzos son fútiles, que no se puede cambiar la historia, pero aún así nos emocionaremos al compartir esas épicas luchas sin esperanza contra un enemigo demasiado superior.

Piloto y avión. Una pareja inseparable

Como decía, el elemento fundamental de todas las historias de Alas de Guerra Sobre el Japón es el vínculo tan especial que se crea entre un piloto y su aeronave. Yo no soy un gran aficionado a los aviones (me gustan más los barcos) pero al leerlas he llegado a comprender qué llevaba a los kamikazes a lanzarse, unidos a su avión, a una muerte segura.

Debido a su geografía, los japoneses han dependido toda la vida de sus barcos para vivir. La irrupción del invento de los hermanos Wright supuso un tremendo shock para esta nación tan acostumbrada a navegar por los mares. Pero como siempre, supieron adaptarse y focalizaron toda esta ancestral obsesión en el nuevo medio de transporte.

Es por esto que les tuvo que resultar tremendamente difícil asumir que su ejército del aire, del que estaban tan terriblemente orgullosos, no era más que un enjambre de moscas frente al poderío desplegado por los americanos. Deshacerse de todos sus aviones fue la puntilla que terminó por hundir el tan cacareado orgullo nacional.

En el fondo, Alas de Guerra Sobre el Japón simplemente intenta que comprendamos esto, que un avión puede ser algo más que un medio de transporte o una máquina de guerra, para pasar a ser el nexo de unión de todo un país.

Dedicado a los amantes de los aviones

El dibujo es bastante realista y muy detallado, pero en ningún momento da la sensación de que las ilustraciones estén demasiado cargadas. Los personajes están muy bien caracterizados, y como esperábamos, comparten protagonismo con unos aviones tremendamente bien dibujados.

Como el experto en la materia que es, Takizawa no decepciona y completa la historia con detalles técnicos en forma de conversaciones o encuadres pensados para resaltar los aspectos más importantes de cada avión. No es un manual de aeronáutica, pero los comentarios son suficientes como para contentar a alguien no demasiado experto.

Por otro lado y como es natural en un manga de estas características, las mejores viñetas se reservan para las escenas bélicas. Se ha apostado por la intensidad (el cómic es bastante corto) por lo que en apenas un par de páginas, Takizawa se las apaña para narrar una pequeña y épica batalla aérea.

Un manga para casi todos

Alas de Guerra Sobre el Japón no gustará a todos. Es un cómic corto, con tres historias bastante sencillas y que toca una temática muy poco habitual en España. Pero tiene una serie de encantos que lo harán irresistible para muchos: nos muestra la 2ª Guerra Mundial desde el lado de los que sufrieron la bomba atómica y se centra en algo tan difícil de explicar como es la relación tan especial que puede haber entre un piloto y su avión.

Es difícil de conseguir, pero si lo veis en el Rastro o en algún otro mercado de segunda mano, dadle una oportunidad, quizás a partir de ese momento empecéis a ver los aviones con otros ojos.

1. El mundo de los inmortales. 3×3 Ojos
2. Guyver. Armadura bio-aceleradora
3. Ashen Victor

De todos los arcos argumentales de Alita Ángel de Combate (o Hyper Future Vision GUNNM) uno de los que más gustó a los fieles fue el dedicado al mundo del Motorball. Tenía de todo: una protagonista más violenta y cabreada que nunca, algunas de las mejores peleas que ha dado a luz el genio de Kishiro y personajes para el recuerdo como el gran Jashugan. Todo ello aderezado por el fascinante mundo del Motorball, una extraña mezcla entre la Fórmula 1 y las peleas callejeras.

Consciente de este éxito, Kishiro escribió y dibujó años después Ashen Victor (Haisha en Japón), tomo único e independiente donde se nos narra la historia de Snev, un prometedor motorballer de tercera división obsesionado con un accidente que sufrió en su primera carrera. Una persona saltó a la pista mientras ellos la recorrían a 300 km/h. Snev no pudo esquivarle, y aunque ambos acabaron destrozados, él al menos sobrevivió.

En Ashen Victor encontraréis todos los elementos habituales de la obra de Kishiro (a saber, cyborgs, violencia y mucha sangre) recreados con un estilo de dibujo que bebe bastante del utilizado en Sin City por Frank Miller. Sin duda, una mezcla explosiva.

Crítica al deporte de élite

Gracias a su velocidad, Snev consigue un puesto de corredor en la escudería Spandau. El equipo tiene muchas esperanzas en su carrera, pero desde el incidente con el Marathon Man (que es como llama al suicida) siente el irrefrenable deseo de chocarse y destrozar su cuerpo cibernético cada vez que se acerca a la línea de meta.

Lo que en un principio supone un grave problema, pronto se convierte en una importante fuente de ingresos para el equipo, ya que el público acude en manada al circuito para ver la actuación del “corredor explosivo”. De esta manera, cada carrera de Snev se convierte en una especie de ruleta rusa donde la probabilidad de morir es mucho mayor que la de salir ileso.

Como podéis ver, la historia ideada por Kishiro encierra una importante crítica al mundo del deporte de élite, que tiene más en cuenta los índices de popularidad que la integridad de los propios deportistas. Por otro lado, Kishiro utiliza la obsesión del protagonista por el Marathon Man para ilustrar de alguna manera ese extraño gusto por la autodestrucción que desarrollan algunas personas.

Personajes made in Kishiro

Es muy difícil desarrollar personajes en tan poco espacio, por lo que salvo Snev, la mayoría de ellos no se acerca ni de lejos al nivel de carisma alcanzado en Alita Ángel de Combate. Aún así, están lo suficientemente trabajados como para que nos enganchemos a la historia.

Beretta es la mejor amiga de Snev que a la postre es prostituta de la Ciudad de los Desperdicios (una profesión bastante difícil en un mundo donde la violencia es el pan de cada día). Vive junto a un gigantón que le sirve de guardaespaldas.

En Spandau tenemos al pequeño ingeniero Holmegolud, que intenta proteger a toda costa a nuestro protagonista; al manager Ben, obsesionado por complacer a sus jefes y a Dolagunov, el agresivo y drogadicto compañero de carreras de Snev.

Y finalmente la propia Ciudad de los Desperdicios, un mundo violento y cruel al que Snev se siente totalmente ajeno y que es uno de los motivos de su deseo de explotar. Como en toda la obra de Kishiro, es la propia ciudad la que da sentido a los actos y sentimientos de los protagonistas: Sin este desquiciante contexto, las historias que nos cuenta no tendrían razón de ser.

La maestría de un gran mangaka

Pero lo mejor de la obra y el principal motivo por el que no debería faltar en vuestra estantería es el estilo de dibujo. Imitando a Frank Miller, Kishiro utiliza únicamente blancos y negros puros para dar vida a la historia, creando una Ciudad de los Desperdicios aún más tétrica e inquietante. Si bien es cierto que no llega al grado de expresividad alcanzado por Miller en Sin City, el dibujo es lo suficientemente original como para justificar la compra.

No le tuvo que gustar mucho la experiencia porque no ha vuelto a repetirla (en Gunnm Last Order utiliza su estilo habitual) pero al menos a mí me ha dejado buen sabor de boca ya que consigue crear algunas viñetas realmente espectaculares.

Marathon Man y la publicidad de Glico en Osaka

El llamado Marathon Man está inspirado en un famosísimo panel de publicidad de la empresa Glico en el barrio Dôtonbori de Osaka. Sobre un fondo en el que están cuatro de los edificios más importantes de la ciudad, aparece un corredor con los brazos extendidos que es idéntico (bueno, salvo la cara de loco) al personaje suicida de la obra de Kishiro (Más información aquí).

Es curioso que haya utilizado este icono de la cultura nipona para representar la locura y la desesperación de Snev…

Conclusión: si lo ves, cómpralo

Está descatalogadísimo, pero seguro que lo podéis encontrar de segunda mano en alguna de la decena de ferias sobre manganime que se celebran anualmente.

Es un manga corto y fácil de leer que condensa en pocas páginas algunas de las mayores virtudes de Kishiro. Si te has quedado con ganas de saber más sobre este extraño deporte es un imprescindible y si no conoces la obra de este genial dibujante es una buena manera de iniciarte.

1. Gunnm Last Order
2. Secretos de los nombres japoneses: Gunnm Last Order
3. El mundo de los inmortales. 3×3 Ojos

Han tenido que pasar doce años para que el autoproclamado rey del mundo (la verdad es que se lució en la gala de los Oscar) James Cameron se atreviera a dirigir otro largometraje. Y no me extraña ya que ¿cómo superar las mareantes cifras de Titanic? Cuando alguien deja el listón tan alto, lo mejor es retirarse y acabar la carrera en el momento álgido.

Pero claro, el dinero es el dinero y los estudios de Hollywood tienen un olfato infalible a la hora de buscarlo. Justo cuando todo el mundo se había resignado a ver las salas de cine cada vez más vacías, llega Mr. Cameron y las vuelve a llenar con el tan manido argumento de “una nueva forma de ver y hacer cine”.

Lo hemos escuchado de muchas películas pero creedme, esta vez va en serio. Ver Avatar en 3D en una sala de cine es una experiencia que bien vale los 12€ que pagué por ella. Y no sólo porque la tecnología funciona bastante bien a pesar de ser relativamente nueva, sino porque Avatar es una de las películas más bellas y espectaculares que he visto en mi vida.

Acompañadme en este fascinante viaje a Pandora, no os arrepentiréis.

Una historia terriblemente familiar

Dentro de doscientos años, la Tierra no será más que un planeta desértico tremendamente superpoblado cuyos recursos están prácticamente agotados. Esta escasez de materia prima obliga a la humanidad a explorar el universo en busca de planetas de los que extraer todo lo necesario para subsistir.

Con esta idea los humanos llegan a Pandora, una pequeña luna con unas condiciones climáticas muy similares a las de la agotada Tierra cuyo subsuelo está repleto de un extraño y carísimo material: el inobtanio.

Lamentablemente (para los terrícolas claro) en Pandora, aparte de una exuberante y variadísima flora y fauna, viven unos seres humanoides con un nivel evolutivo muy similar al de los indios de la época de la conquista del oeste, los Na’vi.

Son un pueblo muy naturalista que guarda una estrechísima relación con todas las formas de vida que los rodean, por lo que no ven con muy buenos ojos que unos alienígenas salvajes se dediquen a colonizar y destruir sus lugares sagrados. Con la idea de aprender de ellos para buscar una solución diplomática, se crea el programa Avatar.

Un Avatar es un cuerpo Na’vi artificial sin alma que se construye a partir del ADN de ambas especies. Se maneja mentalmente por lo que cuando el humano para el que se creó se “conecta”, realmente se convierte en un Na’vi. A pesar de que los habitantes de Pandora saben que no son realmente Na’vi, les toleran más que a los humanos por lo que todavía hay esperanzas de negociar con ellos.

El protagonista de esta historia, Jake Sully (Sam Worthington) llega a Pandora de forma accidental. Su hermano gemelo era un eminente científico que participaba en el programa Avatar y que fue asesinado antes de viajar a la luna. Gracias a las similitudes del ADN de ambos, Jake es propuesto para sustituirle cosa que acepta sin dudarlo ya que hoy por hoy no es más que un exmarine lisiado (está en silla de ruedas)

Allí se encontrará entre dos facciones. Por un lado la de la doctora Grace Augustine (Sigourney Weaver) una científica que adora Pandora y que confía en encontrar una solución diplomática al problema. Y por otro lado la del coronel Miles (Stephen Lang) que en línea con el representante de la empresa, Parker (Giovanni Ribisi) quiere acabar el trabajo cuanto antes aunque sea exterminando a los dichosos Na’vi.

En un principio se alía con Miles pero, conforme va aprendiendo más acerca de esta extraña tribu, se da cuenta de que los que realmente sobran en Pandora no son los Na’vi…

Viaje al nuevo mundo

Desde la producción de El Señor de los Anillos nadie había trabajado tanto en dar vida y coherencia a un mundo fantástico. Y se nota ya que, aunque es cierto que los personajes están muy bien, las escenas de acción son trepidantes y la historia, a pesar de su simpleza, engancha, Avatar sin Pandora, sin sus extrañas plantas y exóticos animales, no es nada.

Y ahí está el motivo de que a mucha gente (como a mí) le decepcione la primera vez que la ve. Si vais al cine, engañados quizás por una campaña de marketing un tanto desafortunada, esperando asistir a un espectáculo heredero de Terminator o Aliens (acción y espectáculo en estado puro) Avatar os decepcionará ya que lo que cuenta y cómo lo cuenta no tiene nada que ver con estas dos obras.

La película está pensada para que nos sintamos como un colonizador cualquiera. Nuestro guía será el soldado Jake Sully que, ayudado por la doctora Grace y por los propios Na’vi, irá descubriendo la tremenda riqueza que esconde esta pequeña luna.

Gran parte del metraje consiste en este aprendizaje, en esta exploración de Pandora. Iremos descubriendo su original fauna, sus peligrosos y coloridos animales e iremos aprendiendo poco a poco las costumbres de los extraños Na’vi. Es en este aprendizaje donde recae la fuerza del film. Gracias a él cada vez sentiremos Pandora más como algo nuestro, de manera que cada vez nos dolerá más la idea de colonizarlo y explotarlo para extraer el inobtanio.

Y esta es la gran baza de Avatar. Gracias al grado de implicación que consigue de nosotros, lo que a priori parece un aburrido documental, se convierte en un fascinante viaje iniciático que nos hará plantearnos si nuestro modelo actual de desarrollo a base de destruir nuestro propio hogar es correcto.

Tecnología al servicio del cine

Los Na’vi son los personajes hechos por ordenador más creíbles que jamás hemos visto en nuestras pantallas. Es cierto que la técnica para crearlos es muy similar a la del Gollum de El Señor de los Anillos, pero esta vez se ha ido un poco más lejos superando ampliamente al trabajo de Peter Jackson.

Sus gestos, sus ropajes, sus movimientos, todo es perfecto. Llegará un momento en que su presencia nos parecerá de lo más natural ya que en ningún momento tendremos la sensación de que son personajes “de plástico” (como sucede a veces con Spiderman) o de que no se integran bien con su entorno. Son seres gigantes, azules y con rabo sí, pero gracias al trabajo de Weta parecen auténticos.

A esta impresión contribuye el trabajo que se ha invertido en darles entidad como pueblo. Los guionistas han trabajado duro para que sus costumbres y modo de vida sean del todo coherentes con su planeta de manera que no nos imaginaremos otra forma de vivir en la exótica luna.

Afortunadamente, el resto de los seres que habitan Pandora no se quedan atrás. Todos tienen una estética muy colorista y un tanto extravagante, pero desde el primer momento parecen del todo reales. Gracias a estos efectos visuales Avatar se convierte en la heredera espiritual de El Señor de los Anillos ya que al igual que en la trilogía de Peter Jackson, lo que sucede es tan importante que dónde sucede.

Mención aparte merecen las escenas nocturnas. En ellas Pandora parece más que nunca un mundo sacado de un cuento fantástico. Impresionante.

Tecnología 3D

Mucho se ha hablado acerca de las nuevas cámaras que ha utilizado Cameron en su último trabajo. Aparte de ir de pequeño al IMAX nunca había visto una película en 3D así que no puedo comparar, pero sí puedo decir que todos deberíais verla en este formato.

No todas las imágenes tienen la misma profundidad, pero ciertas escenas ganan muchísimo al verse en tres dimensiones ya que están pensadas expresamente para hacerlo así. Es en estos momentos donde nos damos cuenta del avance que supone esta tecnología ya que realmente nos sentiremos como parte de la acción (como cuando entramos por primera vez en Árbol Madre).

Aún hay mucho por mejorar, pero hoy por hoy el uso de esta técnica supone la nueva frontera a conquistar para los estudios de efectos especiales. No creo que haya mucha diferencia a la hora de ver, por ejemplo, Lost in Translation en 3D, pero sin duda una película que basa gran parte de su atractivo en el entorno que se desarrolla gana mucho con el uso de la tercera dimensión.

Una historia demasiado predecible

James Cameron nunca se ha caracterizado por unos guiones complejos y llenos de giros argumentales, pero en Avatar hecho de menos más sorpresas. Es cierto que el universo en el que se desarrolla propicia suficientes situaciones como para que el ritmo no decaiga (de pronto estamos huyendo de una bestia gigante como pasamos a darnos un paseo nocturno por un bosque que parece mágico), pero también es cierto que casi todas las situaciones que no implican directamente a los Na’vi son de manual.

Casi desde el primer momento ya sabemos cómo se va a desarrollar la historia, cómo se comportarán los personajes (bien construidos pero bastante estereotipados) y cómo acabará todo. Insisto en que en ningún momento nos aburriremos, pero sí que tendremos la sensación de que se podría haber puesto más carne en el asador construyendo un guión infinitamente más complejo y unos personajes con más matices.

Quizás no tenía sentido hacerlo porque la idea de Cameron eran que nos sintiéramos parte de Pandora, pero un poco más de originalidad en algunos puntos hubieran terminado por redondear la película.

Personajes tópicos pero muy trabajados

Es cierto que todos parecen sacados de un manual para guionistas, pero gracias a unos actores muy implicados consiguen destacar entre tantos efectos visuales.

Sam Worthington hace un estupendo trabajo con un personaje que da mucho más de sí que el que consiguió en Terminator Salvation. Es el chico del momento y parece que quiere aprovechar todas sus oportunidades para entrar en el selecto club de actores jóvenes reconocidos como Christian Bale o Ewan McGregor.

Sigourney Weaver vuelve a la gran pantalla de mano de su director favorito. Esta vez tiene un papel más secundario pero sigue siendo un valor seguro aportando mucha personalidad a su personaje.

Del resto de secundarios destacaría a Stephen Lang que interpreta al personaje más típico de todos (el coronel sin escrúpulos) y el malvado por excelencia de la película. Nunca cae en el ridículo a pesar de lo esperpéntico de algunas situaciones y gracias a su esfuerzo un personaje tan manido vuelve a resultar interesante.

Mención aparte para el trabajo de Zoe Saldana que, a pesar de estar siempre tras una máscara de efectos especiales, dota de gran personalidad y realismo a la gran Neytiri. Estos trabajos suelen ser poco reconocidos pero quizás la academia nos sorprenda con una merecida nominación.

Veredicto

El texto es más largo que de costumbre pero es que este trabajo se lo merece. Hacía mucho que una película no levantaba tanta expectación llenando casi a diario todas las salas. Se ha invertido mucho tiempo y dinero en crear una nueva experiencia cinematográfica y creo que ha merecido la pena.

Es cierto que no todo es tan sorprendente como nos vendían (ni el 3D es tan espectacular ni la historia es tan impactante) pero a grandes rasgos Avatar cumple las expectativas. No sé si superará en taquilla a Titanic pero sin duda andará cerca.

Lo mejor

• Pandora. Desde la trilogía de Peter Jackson nadie había creado un universo tan consistente.
• Los Na’vi que son los seres más creíbles que han pasado por las pantallas de cine.
• El regreso de James Cameron por la puerta grande.
• Su mensaje.

Lo peor

• Se echa en falta un poco más de originalidad en el guión y los personajes.

1. Lost in translation
2. Slumdog Millionaire
3. Up, Una Aventura de Altura

Independientemente del éxito de crítica y público que coseche esta película, no hay duda de que nos encontramos ante uno de los hitos más importantes del cine español ya que comparte con Ágora el honor de ser la película más cara de la historia de nuestro cine: sus 40 millones de €  de presupuesto dejan en ridículo a los cerca de 20 que costó la anterior superproducción patria: Alatriste.

Aunque no está siendo el taquillazo que todos deseábamos que fuera, de momento ha recuperado casi toda su inversión inicial gracias a una más que respetable taquilla mundial. Si a esto le sumamos lo que gane de aquí al final de Navidades más los beneficios de la venta de merchandising, podemos decir que ha sido una buena inversión.

Los críticos están siendo bastante duros, en especial (cómo no) los españoles. La han tildado de simple, irrelevante, simplona y aburrida. Vale, no es la octava maravilla y está muy lejos del nivel de Pixar pero, para ser la primera película del estudio, está más que bien…

Una premisa tan sencilla como original

Lem es un chico bastante normal y tímido que acaba de conseguir el trabajo de su vida: un puesto en el observatorio. Gracias a esta gran noticia se siente por fin con fuerzas para confesarle sus sentimientos a la guapa Neera. Todo parece ir a la perfección hasta que un extraño artefacto aterriza en el jardín..

El objeto no es ni más que menos que el módulo orbital del astronauta terrícola Chuck. Con más ego que un rockero, ha llegado a Planet 51 con la idea de explorar un planeta en teoría inhóspito. Al igual que los de Lem, sus planes se tuercen al descubrir que el pequeño mundo, lejos de estar deshabitado, se parece demasiado a la norteamérica de los años 50.

Un guión que se desinfla por momentos.

Con lo que habéis leído os podéis hacer una idea de hacia donde gira el resto de la historia. Chuck será considerado como la vanguardia de un ataque alienígena a escala global por lo que el ejército se hará con el control de la nave. Por su lado el buen corazón de Lem hará que se meta, junto a sus esperpénticos amigos, en mil y un problemas para ayudar a Chuck a regresar a la Tierra…

En este sentido la historia, a pesar de su genial premisa, se desarrolla de forma muy poco original. No hay muchos momentos realmente sorprendentes ni nada inesperado. Todo sucede tal y como te imaginas que va a suceder por lo que, lo que al principio es una película original, al poco se convierte en la típica sucesión de carreras y golpes tan común del cine “para toda la familia”.

Y ese es el mayor problema de Planet 51: la “chispa” de los primeros compases se pierde muy pronto. A pesar de algunos chistes realmente buenos, son muy pocos los momentos que se quedarán grabados en vuestra mente. Hace mucho que no la veo pero aún recuerdo perfectamente los primeros cuarenta minutos de WALL*E. Sin embargo, apenas si recuerdo escenas sueltas de Planet 51.

Y es una pena ya que, aunque en ningún momento se hace aburrida, muchas veces tendréis la sensación de que la idea y el fantástico universo en el que se ambienta está desaprovechada.

Quizás el problema esté en que muchos de los personajes no “funcionen” del todo bien. Se ha intentado dotar de personalidad y carisma a todos pero, salvo el genial Rover (el mejor con diferencia), la mayoría no tienen la gracia que se les presupone. Ni el intrépido y chulo Chuck es tan intrépido y chulo como se le pinta, ni los amigos de Lem son tan graciosos como deberían.

Planet 51. Un mundo muy vivo

Si bien la historia no es tan original como nos gustaría ni muchos de los personajes acaban de funcionar, el contexto en el que se desarrolla, el llamado Planet 51, es sencillamente genial. Y no hablo del apartado técnico que dejaré para el final, sino a lo tremendamente cuidado que está este mundo que parodia y homenajea a la norteamérica de los años 50.

No faltará ninguno de los elementos de la cultura y costumbres de esa etapa histórica: las barbacoas en el jardín, el boom de los cómics, la televisión en blanco y negro, el miedo a los extraterrestres, la música, los hippies… todos ellos deformados gracias a la genial visión de su creador, Joe Stillman (guionista de Shrek).

Lo original de la idea radica en trasladar todos estos elementos a un mundo alienígena totalmente diferente a la Tierra. No os quiero desvelar mucho pero para poner un par de ejemplos basta decir que en vez de llover “a cántaros” llueven cántaros o que los perros de raza son muy alienígenas. Son precisamente estos momentos donde la película brilla con luz propia.

Pero a pesar de lo cuidado del universo de Planet 51, lo flojo del guión consigue que volvamos a tener esa sensación de que, con un poco más de esfuerzo, podría haberse hecho mucho mejor.  Nos queda el consuelo de que el mundo ha calado en el público ya que la cantidad de productos ambientados en él sobrepasa todo lo visto en España.

Técnicamente impecable

Al igual que pasa con muchos videojuegos de alto presupuesto, lo mejor del producto es su aspecto técnico. Vale que no soy ningún experto en la materia pero, salvando la famosa escena de los globos, no veo nada en Up que no puedan hacer los chicos de Ilion.

Los diseños, la animación, los efectos especiales, todo está a la altura de los más grandes. Y cuando digo más grandes no me refiero a Dreamworks no, me refiero a los, hasta ahora, intocables chicos de Pixar. Quizás estos sean más listos ya que en cada película incluyen una escena hecha para el recuerdo, pero el estudio español se ha quedado muy cerca del nivel de estos genios. Y esto, teniendo en cuenta que es su primera película, es una gran logro.

Un futuro esperanzador

Pero quizás lo mejor de la película es que abre una nueva etapa. España ha demostrado que técnicamente puede situarse en el grupo de cabeza. Sólo hace falta que nuestros directores y guionistas se “rueden” un poco más (bueno, quizás bastante más) para que empiecen a crear obras que deslumbren al mundo.

No se cuánto tiempo pasará pero estoy seguro de que antes de lo que creemos las producciones de animación españolas darán mucho que hablar.

Lo mejor

• Técnicamente está entre las mejores.
• Que se haya hecho en España. Todo un logro para nuestra industria.

Lo peor

• El guión no está a la altura ni del despliegue técnico ni de su autor.
• Algunos personajes no acaban de funcionar como debieran.

1. Lost in translation
2. Memento
3. Slumdog Millionaire

Puede que a muchos ni os suene. Guyver es una de esas series de relativa calidad que pasaron con más pena que gloria por las librerías españolas a mediados de los 90. Es cierto que no es ninguna maravilla, pero atesora suficiente calidad como para haber evitado su cancelación si no fuera por el formato en el que fue editada: 6 tomos de apenas 40 páginas a 325 pesetas cada uno. Un robo vamos, pero era lo que se llevaba en aquella época.

El manga empezó su andadura en 1985 y hasta hoy se han publicado 172 capítulos de lo que se deduce que su autor, Yoshiki Takaya, es un tío bastante lento dibujando. La serie no es nada del otro mundo pero tiene un ligero sabor a serie B que la hace irresistible. Esa mezcla de armaduras que otorgan espectaculares poderes a sus portadores, monstruos salidos de una película de Godzilla y un dibujo muy ochentero la convierten en un producto irresistible para un chaval de 13 años deseoso de acción pura y dura.

Argumento

La historia de Guyver arranca cuando, de regreso a casa, Sho Fukamachi y su inseparable compañero Tetsuro Segawa se topan con un extraño artefacto de vital importancia para la organización secreta-criminal-megalómana Cronos. El objeto no es, ni más ni menos, que una unidad Guyver, una armadura bio-aceleradora extraterrestre que otorga innumerables poderes a su anfitrión.

Sho consigue activarla por casualidad convirtiéndose así en un temible guerrero y en el objetivo prioritario de Cronos. Como era obvio, los problemas no tardan en aparecer. Debido a la importancia de la unidad, Cronos envía unos mutantes llamados Zoanoides, una suerte de peluches gigantes con garras, láseres y todo tipo de armas biológicas, en busca de Sho con intenciones no del todo pacíficas.

La situación se complica cuando entran en juego las otras dos unidades Guyver que existen. Una de ellas pertenece a un mandamás de Cronos pero la otra es propiedad de un misterioso personaje con intereses desconocidos.

La vida de Sho y Tetsuro nunca volverá a ser igual…

Amar en tiempos revueltos

Básicamente, Guyver es una serie de acción cuyas páginas están llenas de peleas entre monstruos de pesadilla y armaduras con poderes a cada cual más sorprendente. Pero claro, ¿qué sería de un shônen sin una historia de amor? Para completar el cuadro tenemos a Mizuki, la guapa hermana de Tetsuro que tiene loco a Sho y a Agito Makishima, el soso presidente del consejo de estudiantes que, además, es objeto de deseo de Mizuki.

La trama se desarrolla como se espera de un manga de este estilo. Cada Zoanoide derrotado es sustituido por uno mucho más poderoso que el anterior y las épicas peleas suelen acabar con el descubrimiento de un nuevo poder de Guyver. Todo esto se entremezcla con las maquinaciones de una organización criminal global como Cronos y los típicos problemas de unos adolescentes en plena ebullición.

La edición española apenas si abarca 10 capítulos por lo que no puedo juzgar la obra en general pero todos sabemos por donde irán los tiros. Es una serie muy simplona sí, pero espectacular y ochentera y eso amigos es más de lo que ofrecen muchas colecciones actuales.

Las películas

Hoy en día las adaptaciones de Guyver serían películas llenas de efectos especiales, escenas a cámara lenta y tías buenorras. Pero se hicieron en los 90 por lo que son auténticos monumentos de la serie B llenos de muñecos de gomaespuma y pelos cardados. Un tesoro vamos.

La primera película (Guyver) se estrenó en España con el título de Mutronics y la recuerdo con mucho cariño. Era cutre y simplona pero caray, había mutantes y salía Mark Hamill alias Luke Skywalker. Por si esto no fuera poco, era una adaptación de un manga, algo impensable en la época así que ¿qué más podíamos pedir? Hoy por hoy está descatalogadísima así que si la encontráis no dudéis en haceros con ella.

Tres años después salió la secuela titulada Guyver: Dark Hero. Tiene pinta de ser aún más cutre que la primera ya que ni siquiera tuvieron presupuesto para convencer de nuevo al “cotizado” Mark Hamill. De todas maneras, seguro que sigue siendo un producto ideal para una tarde de cervezas.

El anime

La verdad es que no he visto ninguno así que no puedo opinar. Según anidb se han producido 13 OVAS divididos en tres series publicadas en 1986, 1990 y 1991 respectivamente, más una serie de 26 capítulos bastante reciente (2005). Vamos, que a pesar de ser una serie minoritaria, tiene el suficiente éxito en Japón y EEUU como para haber propiciado varias adaptaciones.

Figuras

Gracias a la espectacularidad de los diseños de Takada, Guyver cuenta con multitud de figuras, algunas realmente buenas. No las he visto en España y tampoco recuerdo haberlas visto en Japón así que supongo que son difíciles de conseguir. A pesar de todo, a través de tiendas como tisinc999.com, image anime o BigBadToyStore  podréis haceros con algunas a precios de escándalo.

A juzgar de los modelos, parece que Takada pertenece a la escuela de Kurumada (el autor de Los Caballeros del Zodiaco) y es capaz de concebir decenas de variaciones de la misma armadura.

Presente y futuro

El manga traducido al inglés podéis encontrarlo fácilmente por internet y supongo que las OVAS se han publicado en EEUU, por lo que también podéis encontrar una versión bastante digna.

Lamentablemente no hay ninguna posibilidad de verla en España aunque bueno, estamos en plena fiebre reeditora, por lo que todavía queda alguna esperanza.

1. El mundo de los inmortales. 3×3 Ojos
2. Ashen Victor
3. Alas de Guerra Sobre el Japón

La foto que encabeza el artículo debería ayudaros a haceros una idea de lo que encontraréis en Borat: El Aprendizaje Cultural de América Según Borat Para la Gloriosa Nación de Kazajistan, humor absurdo y más basto que un bocadillo de chapas. Esta película no está hecha para todo el mundo. Si no te importa asistir a una retahíla de bromas tan divertidas como de mal gusto acomódate en tu sillón porque vas a disfrutar. Si por el contrario, eres de los que prefiere un tipo de humor más fino e inofensivo, más te vale huir del personaje creado por Sacha Baron Cohen.

Una historia peculiar

Borat es un famoso presentador kazajo que viaja a América acompañado de su inseparable productor para empaparse de la cultura del país más poderoso del mundo. Al poco de llegar descubre en la televisión al amor de su vida: Pamela Anderson. Ni corto ni perezoso inicia un viaje que le llevará a visitar varios estados mientras sigue la pista de su ansiada presa.

En este periplo conocerá a varias personas que le ayudarán a descubrir aspectos tan fascinantes de la cultura americana para un kazajo  como el voto femenino, la igualdad de sexos, la buena educación, los rodeos, etc. Lamentablemente su cultura es tan diferente que muchas veces se verá envuelto en situaciones más que comprometidas.

Contada de una forma muy original

Ésta no es una película al uso ya que a las escenas “normales” se unen al verdadero alma del film: las entrevistas con cámara oculta en las que Cohen, encarnando magistralmente a Borat, llegará a forzar situaciones realmente surrealistas. La idea es poner de manifiesto varias de las contradicciones que caracterizan a los americanos, pero muchas veces da la sensación de que Cohen hace lo que hace con la única idea de crear el gag más absurdo y desagradable posible.

Estas escenas se mezclan con otras rodadas para dar coherencia al producto. Lejos de quedar como un mero collage de sketches y escenas grabadas, la película tiene un desarrollo bastante lógico dentro, claro está, del surrealista mundo creado por Cohen. Y este mundo es uno de los grandes valores del film. Conoceremos el país, la familia, las creencias y los hobbies de Borat. El personaje está tan trabajado que a veces da la sensación de que podría llegar a ser real.

Todo lo que le rodea se ha creado pensando en el tópico establecido de los países islamizados que formaron parte de la URSS. Su aspecto (bigote y pelo rizado), su indumentaria (con traje, como le corresponde a un embajador del país) y aspectos de su personalidad como su antisemitismo y su machismo, son tan extremos que sorprende que la gente llegase a creerlos. Y ahí está el punto clave de la película, las bromas son tan sorprendentes porque la gente, de verdad, creía que estaba hablando con una persona real.

Una colección antológica de cámaras ocultas

El verdadero punto fuerte de la película y por el que obtuvo tantos premios (Globo de Oro incluido) está en estas cámaras ocultas. Las hay de todos los tipos y colores: desde inofensivas que sólo buscan arrancar una carcajada, hasta otras que ponen de manifiesto los males endémicos de EEUU.

Hay dos que me gustaron especialmente. En una Borat llega a Nueva York e intenta abrazar y besar a la gente para presentarse. Obviamente habrán seleccionado los casos más extremos pero me sorprende la reacción de algunos. Lejos de limitarse a apartarse como supongo haríamos en España, muchos pasan al contraataque amenazando al bueno de Borat. ¿Tanto miedo al contacto tienen?

La segunda, que es sin duda la mejor de la película, sucede en un rodeo en la llamada América profunda. En una conversación con uno de los participantes sale a relucir su aspecto islámico. Esto es bastante incómodo para su interlocutor, tanto que le sugiere que cambie un poco su estilo para no parecer “tan árabe”.

Tras esto Borat sale a la pista para homenajear a los asistentes mediante una fusión entre la música del himno americano y la imaginaria letra del kazajo. Antes de esto hace un discurso apoyando la guerra de Irak y “el exterminio de todo hombre, mujer y niño”. La gente se rompe las manos a aplaudir y se desgañita alentando al simpático personaje. Esta actitud no da una idea del nivel de racismo que existe en ciertas partes del país que en teoría está llamado a ser el adalid de la libertad y paz mundial (con presidente galardonado con Premio Nobel incluido).

Lamentablemente otras bromas están demasiado pasadas de tuerca. A mí me hicieron gracia pero en otros casos acabaran con la paciencia del espectador. Una pena ya que si todas se hubieran trabajado tanto como las que acabo de enumerar, la película sería un auténtico imprescindible.

Veredicto

He de reconocer que me ha gustado bastante. No es la primera persona que se dedica a hacer bromas tan bestias (la antológica entrevista de Martes y 13 a Madonna supera a bastantes sketches de Borat) pero la idea de construir una película, más o menos coherente, a base de cámaras ocultas es simplemente genial. El resultado es más que satisfactorio ya que, aparte de mantener el hilo narrativo, las bromas están bastante bien encajadas en el guión.

Ni todas son igual de buenas ni todas tienen el mismo nivel de originalidad, pero algunas han entrado directamente al Top 10 de gamberradas televisivas. Si unimos esto a la durísima crítica que se hace a algunos aspectos del modo de vida americano obtenemos un producto realmente interesante.

Lo mejor

• Lo mucho que se ha cuidado el personaje.
• Algunas bromas, como la del rodeo, son realmente antológicas.

Lo peor

• A veces Cohen pasa de ser un cómico a ser un animal sin escrúpulos que únicamente busca el morbo.

1. Lost in translation
2. Memento
3. Slumdog Millionaire

En los 90 vivimos la primera época dorada del manga así como su primera gran crisis. De golpe y porrazo las estanterías, hasta ese momento repletas de cómics de Marvel, empezaron a llenarse de decenas de cómics japoneses. Entre todos ellos destacaron unas cuantas series llamadas a convertirse en auténticos mitos del género como Dragon Ball, Alita y la que hoy nos ocupa, 3×3 Ojos de Yuzo Takada.

Tal y como hablamos en su día, en aquella época las ediciones eran muy distintas a las de ahora. El formato que triunfaba era el típico del cómic americano, pocas páginas en formato grande. Este fue el factor que motivó del declive de la serie. Es muy larga (40 tomos) por lo que la trama, en ciertos momentos, no evolucionaba tan rápido como sería ideal para este formato. Poco a poco los lectores fueron abandonándola hasta que sucedió lo inevitable: se canceló.

En plena fiebre de reediciones ninguna editorial ha mostrado demasiado interés en retomarla, por lo que sus seguidores continuaremos sin saber cómo acaba la historia de Pai y Yakumo. Hoy, desde La Comunidad, intentaremos paliar este agravio rindiendo homenaje a una de las mejores series que han pasado por mis manos. Bienvenidos al esotérico mundo de los Sanjiyan Unkara.

Héroe por accidente

Yakumo, hijo único del arqueólogo Yakumo Fujii, es un chico normal que, aparte de estudiar, trabaja en un bar de travestis para ganar un poco de dinero. Un día, de camino al trabajo, es testigo de un robo a una extraña chica vestida de harapos. Le ayuda a recuperar su mochila aunque no consigue evitar que el ladrón se lleve un extraño bastón.

Al escuchar el nombre de Yakumo, Pai, que es como se llama la chica, le dice que conoció a su padre y que le dio una carta para él. Tras leerla, Yakumo empieza a sospechar que algo raro está pasando. Su padre dice que Pai es la última representante de una legendaria especie caracterizada por sus poderes y su inmortalidad. Ella quiere convertirse en humana y dado que él no la pudo ayudar, Yakumo debe hacerlo.

La discusión se interrumpe cuando ven la noticia de que un monstruo volador está causando estragos en la ciudad. Pai dice que es Takuhi, su mascota, que estaba encerrada dentro del bastón. Sin comprender aún lo que está pasando Yakumo decide ayudarla. Cuando están cerca del monstruo, éste les ataca y hiere de muerte a nuestro desdichado héroe.

En este momento Pai muestra su verdadera personalidad. Su tercer ojo se abre y absorbe el alma de Yakumo convirtiéndole en un Wu (无). Éste es un ser inmortal cuyo destino está atado al Sanjiyan (que es como se llama la especie a la que pertenece Pai) ya que si este último muere también lo hará el Wu. El destino de nuestros héroes está sellado.

Un largo viaje

Contra toda lógica, parece que fue un Sanjiyan el responsable del exterminio de la raza de los tres ojos. Ella pudo salvarse milagrosamente y tras la catástrofe decidió convertirse en humana. Cómo una raza tan poderosa pudo desaparecer de la noche a la mañana es sólo uno de los misterios a los que se enfrentarán nuestros héroes.

Por otro lado, dado el poder que encierra Pai, serán varias las facciones las que intentarán por todos los medios apropiarse del último Sanjiyan. Ante este panorama Yakumo no tiene otra opción que entrenarte tanto físicamente como en las artes mágicas.

Asumir este papel significa abandonar su vida y convertirse en protector de Pai a tiempo completo. Hasta ese momento era un simple humano por lo que tiene mucho que aprender si pretende luchar contra todos los seres mágicos que les acosarán a lo largo del camino.

Su primer viaje será a la exótica China en busca de Aguri Chen, un especialista en artes mágicas. Al llegar allí descubren que ha sido convertido en piedra por la secta de Madame Huang. Afortunadamente Ling Ling, ayudante del malogrado Chen, se ofrece a ayudarles. Deciden infiltrarse en la secta en búsqueda de la Estatua de la Humanidad, un artilugio mágico capaz de convertir a Pai en humano. Lamentablemente no son los únicos interesados en esta estatua…

Ecos de un pasado

En cierto punto, la narración de las aventuras de los protagonistas se entremezclará con relatos del pasado de una Pai que va recuperando la memoria poco a poco. Ahí descubrirá que ella tuvo mucho que ver en la destrucción de los Sanyijan. No de forma directa pero sí indirectamente ya que conocía, y mucho, al responsable de toda la destrucción.

No fue, ni más ni menos, que el miembro más poderoso de la especie, su marido Shiva.

Personajes para el recuerdo

Yuzo Takada creó para esta serie una de los tríos protagonistas con los que más he disfrutado. Por un lado tenemos al buenazo de Yakumo, un simple chaval que por azar del destino se ve envuelto en una lucha que supera, con creces, su capacidad. Emprenderá un viaje vital que le llevará a convertirse en un ser mucho más poderoso de lo que sus enemigos eran capaces de imaginar.

En segundo lugar tenemos a la frágil Pai, una dulce y simpática chica que poco a poco se irá dando cuenta de la personalidad oculta que tiene en su interior. Adora a Yakumo por lo que hace cualquier cosa por él.

Y finalmente tenemos a la oveja negra de este grupo, la Sanyijan oculta en Pai llamada Parvati IV. Belicosa e irascible provocará más de un dolor de cabeza a nuestros protagonistas.

Gracias a la dualidad de personalidades de Pai, Takada consigue salpicar la obra de momentos humorísticos que aligeran la tensión de la narración, así como de momentos épicos que os pondrán los pelos de punta. Nuestros amigos se juegan el todo por el todo en cada combate (vivir o extinguirse para siempre) por lo que no hay posibilidad de fallar.

Yakumo es inmortal en el sentido más amplio de la palabra, no es sólo que no muera por la edad, sino que no puede morir de ninguna manera. Apuñálale, arráncale un brazo, atraviésale, córtale la cabeza, todo lo que hagas da igual, siempre volverá a levantarse. Imaginaos lo truculenta que se vuelve a veces la cosa.

Gran parte del éxito o del fracaso de una serie de este estilo se debe al atractivo de sus personajes principales. Sin duda en esta obra dieron en el clavo.

Hinduismo

La serie se inspira en la mitología hindú para dar un poco de sentido a su peculiar universo. Por ejemplo, Parvati es una diosa del mundo hinduista que se caracteriza por tener varias identidades, cada una con su personalidad. Por otro lado tenemos a Shiva, uno de los dioses principales del amplísimo panteón hinduista. También veremos a un personaje con cabeza de elefante, una imagen muy típica de estas culturas asiáticas.

El tercer ojo de los Sanjiyan puede identificarse con el segundo chakra del hinduismo. Tiene que ver con el tiempo (inmortalidad de los Shanjiyan), la percepción (su mundo es distinto al nuestro) y la luz (que podríamos identificar con sus poderes).

Calidad por los cuatro costados

No os voy a engañar, siento auténtica debilidad por esta serie, tanto que en mi viaje a Japón compré el último tomo para leer algún día el final en su formato original. Puede parecer tópica (pareja adolescente, monstruos, magia, etc.) pero gran parte de su atractivo está ahí, fue uno de los animes clave de los 90 y resume en sus 40 tomos la esencia de los cómics de acción.

Si os gustan las aventuras, si os atraen las historias esotéricas, si no os asusta un nivel de violencia, a veces, superior a la media no dudéis en haceros con esta serie. No os defraudará.

Edición española

Como adelantamos al principio la edición española fue nefasta. Se publicaron 11 tomos divididos en 4 pequeñas series. Si bien se agradece el uso de un formato más grande (¿soy el único que cree que los tomos son demasiado pequeños?) da rabia que hayan aumentado tanto el coste. Por ejemplo, la última parte, correspondiente a los tomos 10 y 11, costaba al cambio algo más de 33€. Un robo vamos.

Las películas

Se publicaron dos series de OVAs, 4 en 1991 y 3 en 1995. Abarcaban los primeros tomos de la serie y aunque no eran ninguna maravilla, estaban bastante bien. Los primeros, como todo lo de la época, fueron editados por Manga Films. Con los nuevos tiempos fue Jonu la que recogió el testigo y, aparte de reeditar el material antiguo, trajo a España los tres últimos capítulos. Imagino que estarán descatalogados pero si los veis por ahí haceros con ellos, es una buena forma de empezar con esta serie.

Presente y futuro

Por internet podréis encontrar mucha información de la serie. Si bien en España fracasó en otros países tuvo más suerte aunque creo que en ninguno llegó a publicarse entera. Como siempre podéis acudir a grupos de scanlation para leer toda la historia.

Finalmente, y por increíble que parezca, Glénat, la dueña de los derechos descartó no hace mucho la reedición de la serie. Una pena porque su éxito, a mis ojos, está más que garantizado. Hay acción, hay humor, hay mucha sangre y monstruos espectaculares ¿se puede pedir más?

1. Guyver. Armadura bio-aceleradora
2. Ashen Victor
3. Alas de Guerra Sobre el Japón